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Une brève histoire de la nourriture en tant qu'art

Filippo Tommaso Marinetti fut le premier artiste de l'ère moderne à penser à la préparation et à la consommation de la nourriture en tant qu'art. Le mouvement futuriste d'avant-garde, formé par Marinetti et d'autres artistes à Milan en 1909, a embrassé l'ère industrielle et tout ce qui est mécanique, des automobiles et des avions aux méthodes de fabrication et à l'urbanisme. Ils pensaient que la cuisine et les repas, au cœur de la vie quotidienne de chacun, devraient également être au cœur de leurs idéaux prévoyants et lointains.

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En 1932, Marinetti publie The Futurist Cookbook . Ce n'était pas simplement un ensemble de recettes; c'était une sorte de manifeste. Il a présenté la préparation et la consommation d'aliments dans le cadre d'une nouvelle vision du monde, dans laquelle divertir est devenu une performance d'avant-garde. Le livre prescrit les éléments nécessaires pour un repas parfait. De tels repas devaient comporter originalité, harmonie, forme sculpturale, odeur, musique entre les plats, combinaison de plats et petits canapés aux saveurs variées. Le cuisinier devait utiliser du matériel de haute technologie pour préparer le repas. La politique ne pouvait pas être discutée et la nourriture devait être préparée de manière à ne pas nécessiter d'argenterie.

Les réflexions de Marinetti n’auraient pas pu prédire le rôle que la nourriture allait jouer dans l’art près d’un siècle plus tard. Les artistes contemporains ont utilisé la nourriture pour faire des déclarations: politiques (surtout féministes), économiques et sociales. Ils ont ouvert des restaurants en tant que projets artistiques, dirigé des représentations dans lesquelles des plats sont préparés et servis dans des galeries et ont conçu des sculptures élaborées à partir de matériaux comestibles tels que le chocolat et le fromage. Aussi effrayant que cela puisse paraître à Marinetti, certains artistes d'aujourd'hui considèrent même la nourriture comme un rejet de tout le monde et de tout ce qui est obsédé par l'avenir.

En regardant en arrière, la nourriture a toujours joué un rôle dans l’art: les peintres des cavernes de l’âge de Pierre utilisaient du jus de légumes et des graisses animales comme ingrédients de leur peinture, et les Égyptiens sculptaient des pictogrammes de récoltes et de pain sur des tablettes hiéroglyphiques. À la Renaissance, Giuseppe Arcimboldo, peintre de la cour des Habsbourg à Vienne, et plus tard de la Cour royale de Prague, a peint des portraits fantasmagoriques dans lesquels les traits du visage étaient composés de fruits, de légumes et de fleurs.

Quand je pense à la cuisine et à l'art, je me souviens intuitivement des grandes et belles natures mortes de l'âge d'or hollandais que j'ai rencontrées pour la première fois dans un cours d'histoire de l'art de la Renaissance du Nord. Dans ces peintures glorieuses, chaque surface, des manteaux de plumes scintillants de carcasses de canard sur des plateaux argentés brillants à la peau rosée de fruits et de baies, est soigneusement restituée pour créer l’illusion que le festin se déroule juste devant le spectateur. Dans les années 1600, ces peintures témoignaient de la richesse et de l'engagement intellectuel des propriétaires. Les aliments représentés avaient une signification symbolique souvent liée aux textes bibliques et à la manière dont les objets avaient été rangés et consommés, transmettant un message sur la nature éphémère du temps ou le besoin de tempérance.

Jeune artiste, j'ai étudié le rendu en morceaux de pommes et d'oranges de Cézanne. Pour des peintres postimpressionnistes comme Cézanne, l'observation de la vie n'était que le début d'un processus largement imaginatif. Ils valorisaient les couleurs vives et les coups de pinceaux vifs sur l'hyperréalisme du passé.

Au cours de l'ère du pop art, la nourriture est devenue une métaphore sociale. Wayne Thiebaud a peint des rangées de tartes et de gâteaux dans des couleurs pastel vives évoquant des publicités et des jouets pour enfants. Présenté comme un étalage dans un restaurant plutôt que comme un élément de la vie privée, ses arrangements reflètent une société itinérante dans laquelle des desserts somptueux signifiaient l'abondance américaine.

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Chaque culture a sa propre cuisine et chaque cuisine a sa propre histoire secrète. Ce numéro spécial de Journeys propose une analyse approfondie de la culture culinaire et alimentaire du monde entier, notamment des récits détaillés et des recettes préférées.

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À peu près au même moment, les artistes ont commencé à utiliser la vraie nourriture comme matériau d’art. En 1970, le sardonique artiste suisse alémanique Dieter Roth, également connu sous le nom de Dieter Rot, créa une pièce intitulée «Staple Cheese (A Race)» - un jeu de mots sur «steeple-chase» - comprenant 37 valises remplies de fromage et d'autres fromages pressés. sur les murs avec l’intention de s’égoutter ou de «courir» vers le sol. Quelques jours après l'ouverture de l'exposition à Los Angeles, l'exposition dégageait une odeur insupportable. La galerie a été envahie par les asticots et les mouches et des inspecteurs de la santé publique ont menacé de la fermer. L'artiste a déclaré que les insectes étaient en fait son public cible.

Les artistes féministes de la fin des années 1960 et du début des années 1970 considéraient la relation entre l’Amérique et l’alimentation comme une contrainte imposée aux femmes. Les féministes ont affirmé que le personnel, y compris les aspects les plus banals de la vie quotidienne, était politique. En 1972, Miriam Schapiro et Judy Chicago ont loué une maison vacante de 17 pièces à Los Angeles qui devait être démolie et en ont fait une installation d'art gigantesque. Schapiro et d'autres artistes féminines ont créé une installation immersive dans la salle à manger, imitant le processus suivi par les filles lors de la décoration de maisons de poupées. Leur projet, à la fois performance et installation, a condamné le double standard de la société: la disparité des attentes et des opportunités pour les hommes et les femmes. Alors que les garçons étaient formés pour réussir dans le monde, les filles devaient garder la maison de leurs maris. Plus tard, des artistes féministes telles qu'Elizabeth Murray suggèrent que les femmes sont suffisamment puissantes pour gérer à la fois le monde et le domestique dans des œuvres comme «Kitchen Painting» (1985), dans lesquelles une cuillère globby attachée à une silhouette présidant à une cuisine semble surgir l'image plane et confrontez le spectateur.

En 1974, Chicago a repris le thème de la salle à manger lorsqu'elle a lancé «The Dinner Party», tour de force conceptuel qui se trouve maintenant au Centre Elizabeth A. Sackler pour l'art féministe, au Brooklyn Museum. Avec une équipe d'artisans talentueux, Chicago a mis au point, pendant plusieurs années, une table à dîner triangulaire de 18 mètres de long avec des couverts pour 39 femmes de grande culture, tant réelles que mythiques, de la préhistoire au mouvement féministe moderne. Chaque réglage comprend une serviette à la main, une assiette en céramique, un gobelet et un coureur, le tout avec une iconographie personnalisée pour la femme en question. Au fur et à mesure que la ligne du temps converge vers le présent, les plaques deviennent de plus en plus tridimensionnelles, symbolisant la liberté croissante des femmes et leur pouvoir politique.

Au cours des années 1990, de nombreux artistes ont pris conscience de l'aliénation personnelle qui résulterait de l'introduction de l'ordinateur à la maison et d'autres activités sur écran. Pour remédier à l'anomie naissante, certains ont inauguré la discipline de «l'esthétique relationnelle» - aujourd'hui moins connue sous le nom de «sculpture sociale» - selon laquelle l'interaction humaine, y compris manger ensemble, était conçue comme une forme d'art en soi. Rirkrit Tiravanija était l'un des pratiquants les plus en vue. Il a commencé à cuisiner et à servir de la nourriture aux spectateurs dans les galeries, laissant les pots, les casseroles et la vaisselle sale dans la galerie pendant toute la durée de ses expositions.

Aujourd'hui, les artistes débutants apprennent encore à peindre des natures mortes de fruits et de légumes. Beaucoup se sont ensuite détournés de la peinture pour se tourner vers des supports plus récents et plus expérimentaux, mais les artistes centrés sur l'alimentation continuent de croire au pouvoir de la pigmentation sur la toile. Les peintres basés à New York, Gina Beavers, Walter Robinson et Jennifer Coates, en sont de bons exemples. Beavers parcourt Internet pour obtenir des photographies de la nourriture, qu'elle combine ensuite en collages multi-images et en peintures sur de grandes toiles. Robinson est préoccupé par le whisky, les cheeseburgers et autres objets de nostalgie. Coates se concentre sur la malbouffe, réalisant des peintures dans lesquelles s'mores, macaroni au fromage et pizza prennent des formes abstraites. Globalement, il existe une tension saine entre la tradition et l'iconoclasme dans l'art culinaire contemporain. Quelque 85 ans après sa publication, le livre de recettes de Marinetti semble toujours en avance, mais pas trop.

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