Bien que mieux connu en tant que peintre, Rembrandt était également doué en tant que dessinateur et graveur. Comme le nombre d'œuvres sur papier est bien supérieur à celui de ses peintures, une douzaine de musées à travers le monde ont pu créer des expositions cette année à partir de leurs fonds d'art graphique. Mais rien ne s'est révélé plus passionnant et informatif que "Strokes of Genius: les estampes et les dessins de Rembrandt", organisé par Andrew Robison, conservateur en chef des estampes et des dessins à la National Gallery of Art de Washington. En plus de s’émerveiller visuellement, 182 œuvres sont présentées dans des sections qui explorent la diversité des sujets abordés par Rembrandt et ses techniques novatrices.
Dans des études de la vie, comme la vieille craie rouge du vieux assis, Rembrandt observa le monde qui l'entourait, tandis que dans des croquis de composition tels que Joseph racontant ses rêves (une scène de la Genèse), il planifiait des idées pour des œuvres plus complètes. Les dessins de paysages, tels que Vue sur l’Amstel depuis le rempart, enregistrent le terrain humide près de chez lui avec une précision telle que de nombreuses caractéristiques peuvent encore être identifiées.
L'art de la gravure en Europe était âgé d'environ deux siècles lorsque Rembrandt commença sa carrière de graveur. Il réussit à pousser le support d'une multitude de façons nouvelles. Bien avant la photographie, les tirages remplissaient une fonction documentaire importante et la plupart d'entre eux étaient conçus pour un contenu lisible autant que pour un attrait esthétique. Rembrandt appartenait cependant à un groupe de peintres de choix qui dessinaient sur la plaque de gravure avec toute la liberté d'expression d'un dessin sur papier. La gravure, dans laquelle des lignes sont tracées dans un revêtement, ou "moulues" sur une plaque de cuivre, puis mordues dans le métal par une solution d'acide, est plus facile à maîtriser que la gravure, dans laquelle les lignes doivent être gravées directement dans le métal. La gravure permet ainsi un effet plus spontané, que Rembrandt exploite à fond.
"Ce qui distingue Rembrandt en tant que graveur", dit Robison, "c'est qu'il a utilisé toutes les ressources disponibles". Il a imprimé sur des papiers de teintes et de textures variées. Il a combiné la gravure à l'eau-forte avec d'autres techniques, telles que la gravure et la pointe sèche. Il a travaillé et a retravaillé ses dessins, en ajoutant ou en soustrayant des détails et en soumettant la plaque à plusieurs impressions (appelées "états") avant d'être satisfait du résultat. Les impressions individuelles peuvent même différer considérablement en fonction de la manière dont l'encre est appliquée. Ces qualités font de l'appréciation des impressions de Rembrandt une expérience riche et complexe, et "Strokes of Genius" présente une série de défis aux visiteurs en exposant plusieurs états et en imprimant différentes impressions d'une même image, dont la qualité varie de bonne à excellente. Le but est d'inciter les téléspectateurs à poser des questions et à regarder de plus près, de préférence à la loupe.
L'étalon-or pour les collectionneurs d'imprimés est le Christ crucifié entre les deux voleurs (les trois croix), ci-contre, qui a été produit dans les années 1650, lorsque Rembrandt avait atteint le sommet de ses compétences en gravure. La Galerie nationale montre quatre excellentes impressions de différents états. Dans ce cas rare, Rembrandt travaillait principalement à la pointe sèche, gravant son dessin directement dans la plaque de métal nu. En dépit de la difficulté de cette technique, il a bruni des parties de la composition et procédé à des changements radicaux. Dans la foule de personnages entourant Golgotha, par exemple, des personnages individuels sont réinventés. Des traits droits et nets sont ajoutés pour suggérer que la pluie ou la noirceur descendent au-dessus de la scène. Aussi tendues que des fils, ces lignes tracées traduisent non seulement une atmosphère sombre, mais également l’anxiété et le chagrin de l’événement.
Pour Robison, érudit en théologie et en art, il s'agit de l'empreinte la plus importante de Rembrandt: une profonde méditation sur le mystère central de la foi chrétienne. Cela démontre, dit Robison, que Rembrandt "s'est efforcé d'interpréter, et pas seulement de décrire [son sujet biblique], avec un sentiment presque mystique du pouvoir de la lumière". Mais c'est aussi un témoignage de l'art inimitable de Rembrandt.
