DEUXIÈME ACTE CONTROVERSÉ DE RENOIR

En octobre 1881, peu de temps après avoir terminé son joyeux déjeuner du Boating Party, probablement son œuvre la plus connue et certainement l'une des peintures les plus admirées des 150 dernières années, Pierre-Auguste Renoir a quitté Paris pour l'Italie. ambition permanente. Il avait 40 ans et était déjà reconnu comme un pionnier de l'impressionnisme, le mouvement qui avait défié la peinture académique française avec ses tentatives audacieuses de capturer la lumière dans des scènes en extérieur. Représenté par une galerie de premier plan et rassemblé par des connaisseurs, il remplit le rôle enviable d'iconoclaste respecté, si pas encore bien payé.

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Son ambition était de rejoindre Venise, Rome, Florence et Naples et de voir les peintures de Raphaël, Titien et d'autres maîtres de la Renaissance. Il n'était pas déçu. En effet, leur virtuosité l’émerveillait et le célèbre artiste est rentré à Paris dans un état de choc. «J'étais allé aussi loin que je pouvais avec l'impressionnisme», a rappelé Renoir plus tard, «et j'ai réalisé que je ne pouvais ni peindre ni dessiner».

Ce voyage révélateur marquait le début de la fin du Renoir que la plupart d’entre nous connaissons et adorons. Il a continué à peindre, mais dans une optique totalement différente - plus dans un atelier qu'en plein air, moins attiré par les jeux de lumière que par des sujets aussi persistants que la mythologie et la forme féminine - et Renoir est entré dans la décennie période tardive. L'avis critique a été résolument méchant.

Déjà en 1913, l’impressionniste américaine Mary Cassatt écrivait à un ami que Renoir peignait des tableaux abominables «de femmes rouges énormément grasses avec de très petites têtes». En 2007 encore, la critique d’art du New York Times, Roberta Smith, se lamentait sur nudes ”avec leur“ lourd entêtement ”, ajoutant que“ l'aspersion 'kitsch' a été faite pour eux. ”Le Metropolitan Museum of Art et le Museum of Modern Art de New York ont déchargé des Renoirs de la fin de la période pour offrir un nombre probablement plus important travaux. En 1989, MOMA vendit 1902 Reclining Nude de Renoir parce que «cela n'appartenait tout simplement pas à l'histoire de l'art moderne que nous racontons», avait alors déclaré le conservateur de la peinture, Kirk Varnedoe.

«La plupart des œuvres récentes de Renoir sont issues de l'histoire de l'art», explique Claudia Einecke, conservatrice au Los Angeles County Museum of Art. «Renoir était considéré comme un artiste intéressant et important lorsqu'il était avec les impressionnistes. Puis il a en quelque sorte perdu la tête en devenant un réactionnaire et un mauvais peintre - c'était la sagesse conventionnelle. "

Si le Renoir mûr a fini par être considéré comme dépassé, embourbé dans la nostalgie et éclipsé par le cubisme et l’art abstrait, une nouvelle exposition vise à lui donner sa part. Après s'être ouvert cet automne au Grand Palais à Paris, «Renoir au 20e siècle» sera présenté au musée d'art du comté de Los Angeles le 14 février et au musée d'art de Philadelphie le 17 juin. L'exposition, la première années, rassemble environ 70 de ses peintures, dessins et sculptures provenant de collections en Europe, aux États-Unis et au Japon. De plus, les œuvres de Pablo Picasso, Henri Matisse, Aristide Maillol et Pierre Bonnard illustrent l'influence souvent négligée de Renoir sur leur art.

On y présente des odalisques et des nus se baignant (y compris Reclining Nude, qui fait maintenant partie d'une collection privée), des paysages et des villes de la Méditerranée, des personnalités de la société et des jeunes femmes se coiffant, brodant ou jouant de la guitare. Un grand nombre d'entre elles sont inspirées de célèbres œuvres de Rubens, Titian et Velázquez ou rendent hommage à Ingres, Delacroix, Boucher et à la sculpture grecque classique. «Renoir croyait fermement dans les musées pour apprendre d'autres artistes», déclare Sylvie Patry, conservatrice de l'exposition à Paris. Elle paraphrase Renoir: "On développe le désir de devenir artiste devant des peintures, pas en plein air devant de beaux paysages."

Curieusement, bien que l'opinion d'experts se soit retournée contre ses œuvres ultérieures, certains collectionneurs, notamment l'inventeur de Philadelphie Albert Barnes, ont acheté de nombreuses toiles et de grands artistes ont défendu les efforts de Renoir. «Dans sa vieillesse, Renoir était considéré par les jeunes artistes avant-gardistes comme le plus grand et le plus important artiste moderne aux côtés de Cézanne», explique Einecke.

Prenons sa peinture Eurydice de 1895 à 1900 . Basé sur une pose classique, le nu assis est doté de hanches et de cuisses démesurément grandes contre un paysage méditerranéen de couleur diffuse, aux teintes vert pastel et violet. «C’est justement cette interprétation libre d’un sujet traditionnel, ce sentiment de liberté, qui a captivé Picasso», explique Patry. Eurydice est l’un des sept tableaux et dessins rassemblés par Picasso par Renato et, ajoute le commissaire, c’est probablement une source d’inspiration pour sa toile de 1921, " Seated Bather", qui sèche ses pieds . Einecke se souvient que ses professeurs d'histoire de l'art avaient licencié Eurydice et des nues aussi monumentales de Renoir, qualifiées de «filles pneumatiques aux pneus Michelin». Elle espère que les téléspectateurs d'aujourd'hui les identifieront comme suit: le mode classique qui considérait ces figures comme des symboles de la fécondité - et les voyait comme des précurseurs des nus modernes réalisés par Picasso et d'autres.

La tradition tardive de Renoir doit également beaucoup à son installation après son mariage avec l'un de ses modèles, Aline Charigot, en 1890. Leur premier fils, Pierre, est né en 1885; Jean suivit en 1894 et Claude en 1901. «À mon avis, le passage du célibat à l'homme marié était plus important que les théories», écrivait Jean, le réalisateur, dans son mémoire affectueux de 1962 , Renoir, My Father .

Jean et Claude Renoir ont été intégrés au service comme modèles dès leur plus jeune âge. Pour un tableau de 1895, Gabrielle Renard - la femme de ménage de la famille et un modèle habituel - tenta de divertir Jean, âgé de 1 an, comme un enfant turbulent qui jouait avec des animaux jouets. «Peindre Gabrielle et Jean n'était pas exactement une sinécure», a plaisanté l'artiste. Claude - qui ne restait pas moins de 90 œuvres - devait acheter un train électrique et une boîte de peinture à l'huile avant de porter une paire de collants détestable pour The Clown, le salut de son père à la jeunesse de Jean-Antoine Watteau. Chef-d'œuvre du 18ème siècle, Pierrot . (Des années plus tard, Picasso a peint son fils Paulo comme étant Pierrot, bien que ce travail ne soit pas dans l'exposition actuelle.)

Les portraits ultérieurs de Renoir tentent peu d'analyser la personnalité de la gardienne. Ce qui l’intéressait le plus, c’était la technique, en particulier celle de Rubens, dont il admirait le talent des pigments. "Regardez Rubens à Munich", a-t-il confié au critique d'art Walter Pach. "Il y a une couleur magnifique, d'une richesse extraordinaire, même si la peinture est très fine."

Renoir était également de moins en moins intéressé à représenter la réalité. «Comme il est difficile de trouver exactement le point où une peinture doit cesser d'être une imitation de la nature», a-t-il déclaré tard dans sa vie au peintre Albert André, dont il était le mentor. Le portrait de Madame Josse Bernheim-Jeune et de son fils Henry, datant de 1910, est une mère inexpressive qui tient dans ses bras son enfant également inexpressif. Quand elle a fait appel à Auguste Rodin pour persuader Renoir de rendre son bras plus fin, le sculpteur a plutôt conseillé au peintre de ne rien modifier. «C'est le meilleur bras que tu aies jamais fait, lui dit Rodin. Il l'a laissé seul.

Renoir, personnage sociable au sens aigu de l'humour, a dirigé avec son épouse une famille vivante dans le quartier parisien de Montmartre. Claude Monet et les poètes Stéphane Mallarmé et Arthur Rimbaud figuraient parmi les convives.

Diagnostiqué de polyarthrite rhumatoïde en 1897, Renoir suivit la recommandation de son médecin de passer du temps dans le climat plus chaud du sud de la France. Il achète la ferme Les Collettes à Cagnes-sur-Mer en 1907. La maladie de Renoir lui paralyserait lentement les mains et, finalement, ses jambes, mais «la menace d'une paralysie complète ne le poussait qu'à reprendre des activités», a rappelé Jean Renoir. "Même lorsque son corps commençait à décliner", écrit Matisse, "son âme semblait devenir plus forte et s'exprimer avec une facilité plus radieuse."

En 1912, alors que Renoir était en fauteuil roulant, des amis ont fait appel à un spécialiste de Vienne pour l'aider à marcher à nouveau. Après environ un mois de régime fortifiant, il se sentit suffisamment fort pour essayer quelques étapes. Le médecin le releva et l'artiste, avec un énorme effort de volonté, parvint à vaciller de manière instable autour de son chevalet. «J'abandonne», dit-il. «Cela demande toute ma volonté et il ne me resterait plus personne pour peindre. Si je dois choisir entre marcher et peindre, je préférerais beaucoup peindre.

Et il l'a fait. En 1913, il annonça qu'il s'approchait du but qu'il s'était fixé après son voyage en Italie, 32 ans plus tôt. «Je commence à savoir peindre», a déclaré l'artiste de 72 ans. «Il m'a fallu plus de 50 ans de travail pour arriver à ce stade et ce n'est pas encore fini.» Un extraordinaire clip muet de trois minutes dans l'exposition le capture au travail en 1915. Renoir saisit son pinceau presque droit dans son cran, Poing bandé et coups sur la toile. Il se penche en arrière, lève les yeux pour regarder le tableau, puis l'attaque à nouveau avant de poser le pinceau sur sa palette.

Cela ne pouvait pas être facile: ses deux fils aînés avaient été blessés au début de la Première Guerre mondiale et son épouse est décédée en juin. Pendant que des millions de personnes périssaient dans les tranchées, à Cagnes, Renoir a créé une Arcadie, se réfugiant dans des sujets intemporels. «Ses nus et ses roses ont déclaré aux hommes de ce siècle, déjà engagés dans leur tâche de destruction, la stabilité de l'équilibre éternel de la nature», a rappelé Jean Renoir.

Auguste Renoir travailla jusqu'au jour de sa mort, le 3 décembre 1919. À cette époque, ses ateliers contenaient plus de 700 peintures (sa vie entière était d'environ 4 000). Pour peindre l’un de ses derniers efforts, The Bathers, de 1918-1919, il avait placé la toile sur des rouleaux verticaux qui lui permettaient de rester assis tout en travaillant par étapes. «C'est un tableau dérangeant», dit Patry. Les deux nymphes charnues au premier plan sont «très belles et gracieuses», dit-elle, tandis que le paysage en arrière-plan «ressemble à une tapisserie artificielle».

Matisse l'a désigné comme le chef-d'œuvre de Renoir, «l'un des plus beaux tableaux jamais peints». Lors de l'une de ses visites à Cagnes, il avait demandé à son ami: Pourquoi se torturer?

«La douleur passe, Matisse, répondit Renoir, mais la beauté perdure.

Richard Covington, collaborateur de longue date, parle d'art, d'histoire et de culture depuis son domicile situé près de Paris.

Pierre-Auguste Renoir (en 1915) a traité les sujets classiques avec un "sentiment de liberté", a déclaré la conservatrice Sylvie Patry. (Archives Hulton / Getty Images)

Picasso, un admirateur, a acheté Eurydice de Renoir (1895-1900), qui a influencé son propre travail. Mais un expert a déclaré que "le dernier ouvrage de Renoir a été écrit en dehors de l'histoire de l'art". (Musée Picasso, Paris / Bibliothèque d'art internationale Bridgeman)

Le Pierrot Blanc, v. 1901-2, Renoir. (Institut des arts de Detroit, legs de Robert H. Tannahill, Photo © 2009 Institut des arts de Detroit, États-Unis / legs de Robert H. Tannahill / Bridgeman Giraudon)

La maison de Renoir à Cagnes-sur-Mer, dans le sud de la France, a été une source d'inspiration ( The Farm at Les Collettes, 1914). (Legs de Charlotte Gina Abrams, à la mémoire de son mari, Lucien Abrams, 1961 / Metropolitan Museum of Art, New York)

Renoir a déclaré qu'il avait du mal "à trouver exactement le point où une peinture doit cesser d'être une imitation de la nature". Le clown (1909) rend hommage à Watteau. (Musée de l'Orangerie, Paris, Photo © 2009 Musée de l'Orangerie, Paris / RMN, par Franck Raux)

Autoportrait au chapeau blanc, 1910, Renoir. (Collection privée, courtoisie de la Galerie Durand-Ruel, Paris, photo fournie par la Galerie Durand-Ruel, Paris / akg-images)

Le portrait de Madame Josse Bernheim-Jeune et de son fils (1910) par Renoir lui a plu, mais pas elle. (Musée d'Orsay, Paris / Giraudon / Bibliothèque d'art internationale Bridgeman)

Le concert, 1918-1919, Renoir. (Collection, Musée des beaux-arts de l'Ontario, Toronto, Don de la succession Reuben Wells Leonard, Photo © 2009 Musée des beaux-arts de l'Ontario, Toronto / Bridgeman Art Library)

"Je ne mourrai pas avant de donner le meilleur de moi-même", a déclaré Renoir en peignant The Bathers (1918-1919). C'était son dernier travail majeur. (Musée d'Orsay, Paris / Bibliothèque d'art internationale Bridgeman)