C'est un spectacle familier pour tous les visiteurs de l'axe de l'histoire de l'art de New York, le Metropolitan Museum of Art - des artistes fascinés par un chevalet garés devant certains des plus grands chefs-d'œuvre de la collection, peignant ou dessinant les images qu'ils voient devant eux dans un état de concentration presque sainte et folle. Mais que font-ils là-bas, de toute façon? Non, ils ne sont pas là pour déguster des sols ou pour plagier les grands: comme l'écrit l'artiste Laurie Murphy sur le blog du musée, ils font partie du programme le plus ancien du musée.
Le programme de copie a été mis en place deux ans à peine après l'ouverture du musée en 1870. Conçu pour faire du musée une sorte d'atelier prolongé pour les artistes, il ouvre le musée aux artistes individuellement et en groupe. Les candidats doivent demander à copier une œuvre d'art individuelle, à spécifier le support qu'ils ont l'intention d'utiliser et à soumettre des images numériques de leurs propres œuvres d'art pour être acceptés. Une fois admis dans le programme, ils disposent de huit semaines au maximum, sous réserve d'une série de conditions telles que ne pas peindre sur de grandes toiles ou vendre leur travail. (Les visiteurs qui préfèrent dessiner avec un crayon n'ont pas besoin de permission, mais doivent se conformer aux directives du musée.)
Bien qu'il puisse sembler contre-intuitif pour les artistes en développement de copier le travail d'autres artistes, cela fait en réalité une partie vitale des arts visuels depuis des millénaires. Les grands maîtres se sont régulièrement engagés dans le processus, obtenant les côtelettes de leurs peintres de ceux qui les ont précédés. Paul Cézanne, par exemple, était obsédé par le travail d’Eugène Delacroix. Il copiait son travail encore et encore pour tenter de rendre un hommage digne de sa muse. Vincent van Gogh a également copié des œuvres d'art et, comme le souligne Murphy, les copistes du travail de Caravaggio ont contribué à préserver des peintures perdues dans le temps.
Aujourd'hui, le programme copiste du Met et des programmes similaires au Louvre, à la National Gallery of Art et dans d'autres institutions sont convoités, compétitifs et aimés du public qui regarde des artistes. Mais les copistes n'étaient pas toujours vénérés. Comme l'écrit Paul Duro, de nombreux visiteurs de musées du XIXe siècle ont supposé que les femmes copistes étaient des filles riches avec le patronage du gouvernement ou de gros chèques de leur père, et non des artistes sérieux. Et en 1887, le New York Times a publié un article qui se moquait des copistes du Louvre en ces termes: "ces personnifications de l'ironie qui ont été jetées aux pieds de chefs-d'œuvre ... des gens ridicules ramassant les miettes et l'aumône de l'art aux pieds des dieux."
Heureusement, le point de vue des copistes s'est estompé. Après tout, l'imitation est une forme de flatterie et d'apprentissage, et tout le monde, des critiques d'art aux directeurs de musées, accueille chaleureusement cette pratique. Il s'avère que malgré leur incapacité à parler, les peintures inanimées et autres œuvres d'art peuvent transmettre d'importantes leçons aux artistes qui perfectionnent leur art. Alors, la prochaine fois que vous rencontrerez un copiste, ne le blâmez pas d’avoir investi de précieux biens immobiliers dans les galeries. Jetez plutôt un coup d'œil sur leur travail et profitez de l'occasion de suivre une formation artistique en temps réel. Et si vous vous imaginez copiste, le Met accepte actuellement les candidatures pour son automne 2016.
