Pour les jeunes artistes loin de chez eux, l’Institut des arts indiens d’Amérique (IAIA) de Santa Fe, au Nouveau-Mexique, au milieu des années 1960, a dû être une scène grisante. Ils venaient de tous les États-Unis, beaucoup d'entre eux étant encore adolescents, de petites villes et de réserves. L'un d'entre eux, Alfred Young Man, un Cri arrivé d'une réserve située dans le Montana, s'est ensuite souvenu des étudiants parlant 87 langues différentes. C'était «une Organisation des Indiens», a-t-il écrit.
L'école a mis à la disposition des adolescents de riches magasins de matériel d'art et les a lâchés. Ils ont fustigé Rock 'n' Roll et Bob Dylan tard dans la nuit dans les studios d'art. Elles se sont réunies dans un dortoir pour filles pour manger du pain de cuisson fait maison. Ils ont peint et sculpté, joué de la musique et dansé. Ils ont étudié des siècles d'art européen, américain et asiatique et ont débattu des droits civiques et du pop art. Leurs instructeurs, autochtones et non autochtones, les ont exhortés à embrasser et à partager leurs origines culturelles variées.
Karen Kramer, conservatrice de «TC Cannon: à la lisière de l'Amérique», une exposition dédiée à l'un de ces artistes, est actuellement présentée dans le musée Heye Center du Musée national des Indiens d'Amérique. a New York. Cannon, peintre et écrivain, aux côtés de ses peintres Young Man, Linda Lomahaftewa et Earl Biss, de la céramiste Karita Coffey et du sculpteur Doug Hyde, ont été parmi les premiers à exprimer un fort point de vue amérindien à travers les idées et les méthodes de l'art contemporain de pointe. Ensemble, Kramer dit: "Ils ont changé l'apparence de l'art amérindien."
Au début du XXe siècle, même les partisans de l'art amérindien avaient pensé qu'il devrait être protégé des influences artistiques extérieures, afin de le préserver. Les dessins et les aquarelles représentant des rituels traditionnels, la chasse au cerf, etc., dominaient l’œuvre. À la fin des années 1950, des universitaires et des artistes américains autochtones se sont rencontrés à l'Université de l'Arizona pour discuter de la revitalisation de l'art. Ils ont proposé quelque chose qui, à l'époque, semblait radical: donner à certaines de ses étoiles montantes le même genre d'éducation artistique que les étudiants non autochtones en art. La proposition du groupe soulevait ce qu’il appelait une «question déroutante», à savoir que les étudiants autochtones «bénéficieraient même d’une association avec des concepts, des formes d’art et des techniques non indiens». Heureusement pour TC Cannon et sa cohorte, la proposition a été avancée et, éventuellement, en 1962, le Bureau fédéral des affaires indiennes ouvrit l'IAIA.
Deux canons Arikara par TC Cannon, 1974-1977 (Anne Aberbach et sa famille, © 2019, succession de TC Cannon, photo de Thosh Collins) 
Maman et papa ont le blues Shiprock de Going Home de TC Cannon, 1966 (Institut des arts indiens américains, Musée des arts autochtones contemporains, © 2019, succession de TC Cannon, photo d'Addison Doty) 
Cloud Madonna de TC Cannon, 1975 (Collection de Charles et Karen Miller Nearburg, Musée d'art de Hood, © 2019, succession de TC Cannon) 
En attendant l'autobus (Anadarko Princess) de TC Cannon, 1977 (Anne Aberbach et sa famille, © 2019, succession de TC Cannon, photo de Thosh Collins) 
Indien avec coiffe perlée de TC Cannon, 1978 (Musée Peabody Essex, © 2019, succession de TC Cannon, photo de Kathy Tarantola) 
Soldats de TC Cannon, 1970 (Anne Aberbach et sa famille, © 2019, succession de TC Cannon, photo de Thosh Collins) 
Petit receveur de TC Cannon, 1973-1978 (Collection de Gil Waldman et Christy Vezolles, © 2019 Estate de TC Cannon, avec l'aimable autorisation du Heard Museum, Phoenix, Arizona, photo de Craig Smith) 
Collectionneur n ° 3 de TC Cannon, 1974 (Collection d'Alexis Demirjian, © 2019 Estate de TC Cannon, photo de Tim Nightswander / Imaging Art) 
Genre du Nouveau-Mexique par TC Cannon, 1966 (Institut des arts indiens américains, Musée des arts autochtones contemporains, © 2019, succession de TC Cannon, photo par Addison Doty) Dès le début, les étudiants de l'IAIA «ont décidé qu'ils ne seraient pas le genre d'artistes que leurs ancêtres étaient», explique Mike Lord, qui, même s'il n'était pas étudiant, était un ami proche de Cannon et d'autres. Ils ont appelé le travail de la génération précédente «l'art Bambi», dit-il. Comme Cannon l'a dit plus tard: «J'en ai assez des peintures de cerfs à la Bambi reproduites à maintes reprises, et des peintures dessinées de mon peuple». Lord dit que les étudiants ont tiré une fierté «presque en face de» de « faire des choses qui n'avaient pas été faites auparavant. "
Kramer attribue la force de l’école à l’estime qu’elle a toujours vouée à la culture autochtone, culture que le gouvernement américain a passé des décennies à essayer d’écraser. Kramer a expliqué que certains de ces «traumatismes culturels» étaient récents: les parents de nombreux étudiants de l'IAIA auraient fréquenté des pensionnats gérés par le gouvernement qui interdiraient leur langue, leur costume, leurs pratiques religieuses, leur coiffure et même leurs noms. Leurs grands-parents ont peut-être été forcés de quitter leurs terres. «Si vous avez grandi et que vous avez eu honte de votre culture et que vous avez dû vous assimiler», dit-elle, puis arriver dans une école qui encourage «mettre votre patrimoine culturel à l'avant-plan et en être fier un très grand pivot. "
Les instructeurs de l'IAIA étaient des artistes accomplis et actifs dans le monde de l'art contemporain de l'époque. L'un d'eux avait étudié avec l'artiste figuratif de la Bay Area, Wayne Thiebaud, un autre avec l'influent abstractioniste Hans Hofmann à New York. «Cette convergence de la qualité des instructeurs, de l’énergie et du partage des étudiants qui ont été encouragés, de l’énergie politique des années 60 et 70 [et] du mouvement des droits civiques», a déclaré Kramer. ferment productif.
TC Cannon: Aux confins de l'Amérique
TC Cannon est l’un des artistes indiens américains les plus influents et inventifs du XXe siècle. Au travail au cours des turbulences sociales et politiques des années 1960 et 1970, Cannon créa un vocabulaire visuel emblématique influencé par son héritage Kiowa et Caddo, ainsi que par des artistes tels que Vincent van Gogh, Henri Matisse et Robert Rauschenberg.
AcheterDécédé dans un accident de voiture en 1978, à l'âge de 31 ans, TC Cannon était un talent du multimédia. L'exposition de New York combine des dizaines de ses peintures, dessins et gravures, ainsi que ses poèmes et paroles de chansons imprimés sur les murs. (Il a ouvert ses portes l’année dernière au Peabody Essex Museum de Salem, dans le Massachusetts, où Kramer est conservateur de l’art et de la culture amérindiens et océaniens.) Le spectacle inclut également un enregistrement de Cannon chantant une de ses propres chansons inspirées de Dylan, ainsi que des lettres et des artefacts, tels que les deux étoiles de bronze qu'il a obtenues lors de la guerre du Vietnam, où il a passé près d'un an avec la 101ème division aéroportée.
Cannon avait des ancêtres Caddo et Kiowa et a grandi dans une région rurale du sud-est de l'Oklahoma. Il est arrivé à l'IAIA en 1964, l'année de ses 18 ans. Il a saisi l'opportunité d'étudier les maîtres européens, attirés notamment par Matisse et van Gogh, aux côtés des Américains contemporains Jasper Johns et Robert Rauschenberg.
«Je suis fatigué des peintures de cerfs ressemblant à des Bambi reproduites à maintes reprises, et des peintures dessinées de mon peuple», a déclaré TC Cannon, ci-dessus ca. 1965. (Gracieuseté des archives de l'Institute of American Indian Arts) Sa peinture, Mama and Papa, le rapatrié Shiprock Blues , qu'il a peint alors qu'il était encore étudiant, montre l'influence de Rauschenberg, dit Kramer, avec ses images et son texte superposés. Il présente un couple de personnes âgées portant une combinaison de robe traditionnelle Navajo et de lunettes de soleil sombres à la mode, entre histoire et modernité.
Presque toutes les grandes peintures de Cannon sont des portraits, souvent dans des tons électriques orange, violet et bleu brillant. Beaucoup décrivent clairement les Amérindiens comme des individus vivants, parfois imparfaits. Ses personnages ont le ventre plat, les hanches larges ou des expressions sceptiques, et l’un d’eux glisse dans un fauteuil pliant. Mais ils sont toujours là, semblent-ils dire, survivants et même florissants - pas des stéréotypes décoratifs, mais des gens qui se débrouillent dans le monde moderne.
Dans un portrait sans titre de George Custer réalisé en feutre, le mot «Ugh?» Vient de sa tête dans une bulle de pensée de dessin animé. (Collection de Frank Harris. © 2019 Estate de TC Cannon. Photo par NMAI Photo Services.) Cannon a réalisé plusieurs images plus petites représentant George Custer, le commandant de l’armée américaine dont le «dernier combat» était une victoire éclatante pour les forces amérindiennes luttant pour les chasser de leurs terres. Dans un portrait sans titre de Custer réalisé en feutre, le mot «Ugh?» Jaillit de sa tête dans une bulle de pensée de dessin animé, alors que Cannon semble demander sèchement comment il a jamais émergé comme un héros américain.
«Ce qui était important pour TC, c’était la manière dont il s’était approprié certains moments [et] des personnages de l’histoire américaine, mais d’un point de vue autochtone», explique Kramer. «Il le faisait avec un humour ironique, empruntant le langage visuel des oppresseurs et l'utilisant comme plateforme pour explorer l'identité autochtone [et] l'histoire autochtone.»
«Son talent naturel pour peindre les gens» et ses couleurs éclatantes, dit Kramer, ses images entraînent le spectateur. «En tant qu'être humain, nous sommes attirés par d'autres êtres humains sur toile.» Le portrait, disait-elle, était «un outil vraiment utile »pour Cannon en se concentrant sur les sujets inconfortables qu’il voulait mettre en avant. «Tant de problèmes avec lesquels il se débattait dans les années 1960 et 70» - liberté de religion, identité ethnique, appropriation culturelle - «sont toujours aussi pertinents».
«TC Cannon: Aux confins de l’Amérique», organisé par Karen Kramer, est présenté au Musée national des Indiens d’Amérique, au Centre George Gustav Heye, au One Bowling Green, à New York, jusqu’au 16 septembre.
