Remerciez une marque de contenu éducative sud-coréenne d'avoir produit, si ce n'est la version définitive, et certainement la plus écoutée, du ver de l'oreille «Baby Shark», la chanson pour enfants qui fait son chemin à travers sa deuxième semaine sur le Billboard Hot 100 Chart.
Vous avez peut-être déjà rencontré une variante de la chanson - et des mouvements de danse qui l'accompagnent - au camp d'été (ou, comme cet écrivain, inexplicablement au cours d'une unité de collège sur la vie marine). Il y a un peu plus de dix ans, cependant, en 2007, «Baby Shark» a mis en avant son véritable potentiel lorsqu'une vidéo de la chanson est devenue virale en Allemagne.
Cela s'est avéré être de petites pommes de terre par rapport au remix de Pinkfong. La marque à l'origine de la sensation a produit des dizaines de milliers de vidéos pour enfants, y compris de nombreuses variantes de «Baby Shark». L'une de ces versions est devenue supernova après sa publication sur YouTube en 2016. La société basée à Séoul a déposé un K- Sous la voix, Pop a attrapé deux enfants aux joues de chérubins pour faire bouger les paroles des paroles de la vidéo, qui comporte également des animations de créatures marines aux couleurs de bonbon, résolument hétéronormées, et le renard magenta de Pinkfong, emballé dans un équipement de plongée pour le occasion.
La vidéo a depuis fait l’objet d’un cycle de régurgitation du XXIe siècle. Avec 2, 1 milliards de visionnages enregistrés et comptabilisés, ses débuts sur le graphique Billboard - et ce grâce à sa décision d'incorporer des données YouTube dans son mystérieux algorithme de sélection musicale en 2013 - ressemblent plus à une formalité qu'autre chose.
Si vous n'avez pas entendu la chanson que le New York Times appelle «aussi contagieuse que l'anthrax», elle est centrée sur trois générations de requins affamés (Doo Doo Doo Doo Doo). C'est à peu près tout. Dans certaines versions, les requins vous mangent. Dans la version Pinkfong, les adorables enfants sont en sécurité, et c'est «la fin (Doo Doo Doo Doo Doo Doo)) / la fin (Doo Doo Doo Doo Doo Doo Doo)».
À l’époque, dans la manie «Baby Shark» de Pinkfong, les Ellen Degenereses et James Cordens du monde nous soumirent au #babysharkchallenge. Bob Cunningham, éducateur et conseiller principal du consortium à but non lucratif Understood.org, tenta de définir ce qui avait motivé la La chanson de Pinkfong est très écoutable. La formule qu'il décrit à l'Associated Press - un «rythme accrocheur», «des sons stupides» et «une animation colorée et mignonne» - rappelle ce qui a donné lieu à la première itération de tubes pour enfants.
La musique pour enfants fait partie de l'industrie de la musique depuis le début. «Depuis qu'il y a une entreprise de musique, il y a une entreprise de musique pour enfants», explique Simon Frith, professeur de musique, dans son recueil d'essais Taking Pop Music Seriously . Onze ans seulement après le lancement du phonographe par Thomas Edison en 1877, un employé inconnu de la société Edison enregistra "Twinkle, Twinkle Little Star" pour son entreprise de poupée parlante de courte durée. Lorsque cet enregistrement fut retrouvé dans le bureau d'un assistant du Des années 1960, il a valu à la comptine la distinction d’être le premier enregistrement connu pour enfants, le plus ancien enregistrement commercial connu, et peut-être même «le premier enregistrement réalisé par une personne qui était payée pour jouer pour un enregistrement sonore», selon la bibliothèque du congrès.
Le phonographe d'Edison a indéniablement changé la donne pour l'industrie de la musique. Soudain, la musique était portable, abordable et reproductible, écrit Mark Katz, spécialiste de la musique et de la technologie dans la revue American Music. Les professeurs de musique pensaient à leur tour que le phonographe éloignerait les jeunes américains «des tentations de la musique populaire» en les exposant à ce qu'ils considéraient comme une «bonne» musique. "Si les enfants apprécient le" Trdumerei "de Schumann, la" Sérénade de Schubert "et le" Chœur du pèlerin "de Tannhauser de [Wagner], " a fait valoir un professeur de musique en 1911, "ils ne se soucieront pas d'entendre de la musique de rue pas chère et peu coûteuse. "
Cela… ne s'est pas avéré tout à fait le cas. “Baby Shark” se présente à la place des Silly Symphonies de Walt Disney, qui associent musique et animation avec un grand succès en utilisant, attendez-le, des rythmes accrocheurs, des sons idiots, coloré (lorsque la technologie le permet) et parfois mignon, toujours visuel. attraper, animation.
Contrairement à «Baby Shark», cette série de courts métrages «nouveauté musicale», lancée de 1929 à 1939, a connu un succès critique en plus du succès populaire (sept courts métrages ont remporté l'Oscar du meilleur court métrage d'animation). Les Sillies l'ont fait en associant une animation intelligente à une gamme de musiques «englobant des mélodies classiques, des airs folkloriques traditionnels, des thèmes d'opéra et des chansons populaires», explique JB Kaufman, spécialiste du cinéma, dans Animation World Magazine, un genre qui a donné naissance à une foule d'imitateurs, notamment travaux de rivaux chez Warner Bros.
De stupides symphonies sont arrivées juste au bon moment. Dans les années 1920 et 1930, compositeurs et graphistes exploraient les frontières de l'animation. "Tous ces expérimentateurs partageaient un intérêt commun, voire une fascination pour" trouver le "rythme" entre la vue et le son à l'écran, écrit le spécialiste de la musique Jon Newsom dans le Quarterly Journal de la Bibliothèque du Congrès.
Cet équilibre était tellement important à Disney HQ que la synchronisation exigeante du studio entre la musique et les mouvements animés a commencé à être qualifiée de "mickey mous" dans l'industrie.
Carl W. Stalling, organiste de théâtre et chef d’orchestre, a joué un rôle important dans la création de cette scène. Il a ainsi permis à ses musiciens d’entendre ce qui se passait dans une séquence animée grâce à une ingénieuse "piste de clic". a convaincu Disney de lui permettre de marquer les Sillys avant qu'ils ne soient animés, à commencer par la toute première mini-comédie musicale intitulée «The Skeleton Dance» (1929).
Silly inaugural, habitué de la liste des meilleurs courts métrages d’animation de tous les temps, a présenté une nuit fantasmagorique remplie de hiboux, de chats noirs et de pleines lunes. Le dessin a également été mis en place autour de la partition de Stalling, qui, selon Disney, aurait «priorité», écrit Tighe E. Zimmers, chercheur sur les compositeurs de chansons populaires.
L'alchimie de la musique qui a inspiré l'animation a été révolutionnaire. Ce n'est pas si différent de la chanson «Baby Shark» de Pinkfong, qui tire ses premières mesures du thème des Jaws et s'inspire de l'inspiration de la danse K-pop. Stalling a utilisé une musique qui, à son avis, correspondait à l'affiche pour son travail.
Il «s’appuierait sur sa formation, saccageant toute la littérature de musique classique et populaire pour tisser un sous-jacent suggestif à l’action à l’écran», écrit Tebbel., mais également dans les Sillies, qui comprend un riche lexique musical d’extraits allant de «Moonlight Sonata» à «Row, Row, Row Your Boat». (Cartoonresearch.com présente la liste exhaustive des sons qui apparaissent dans Sillies, et c'est impressionnant.)
Le véritable moment «viral» pour Sillies est venu avec le lancement de «Les trois petits cochons» au Radio City Music Hall de New York le 27 mai 1933.
"Il a reçu une réponse publique sensationnelle telle qu'elle a été montrée dans les théâtres de quartier, devenant le court métrage d'animation le plus phénoménal de son temps", écrit le chercheur en dessins classiques Devon Baxter.
Disney avait imaginé le dessin comme une opérette légère et humoristique, explique Baxter. Le dialogue a été chanté en rythme par les porcs anthropomorphisés, qui tanguent et se balancent hypnotiquement alors qu'ils travaillent contre leur feuille, le grand méchant loup. La bande dessinée est extrêmement agréable à regarder et, pour les Américains qui traversent la Grande Dépression, son ton joyeux est ce dont les enfants - et les adultes - avaient besoin.
La compositrice Ann Ronell de Tin Pan Alley, avec qui Disney avait déjà collaboré, a collaboré avec le compositeur Frank Churchill sur «Qui a peur du grand méchant loup» (qui a fait quoi pour la chanson qui reste à débattre) et leur résultat a été reconstitué tout au long du dessin animé.
Sol Bourne, directeur général d'Irving Berlin Music, Inc., s'est dit frappé de plein fouet lorsqu'il a entendu la chanson à l'écran. «Bourne connaissait une chanson individuelle, liée à un film ou à un dessin animé, créant une synergie et aidant à vendre les deux entités», écrit Zimmers. Par la suite, Irving Berlin Music a négocié pour obtenir les droits musicaux de Disney Studio.
Le partenariat était sans précédent. Dans une correspondance de 1963 citée dans la biographie de Zimmers sur Ronell, l'auteur-compositeur expliquait que «la musique de fond pour dessins animés n'était pas prise au sérieux à cette époque et qu'aucune chanson n'avait jamais été publiée auparavant par l'industrie du film d'animation». Mais Bourne avait raison; un public attendait.
Comme «Baby Shark» qui passe de YouTube à un premier film, «Qui a peur du grand méchant loup?» A fait une déclaration définitive. Le magazine TIME a déclaré qu'il s'agissait de l'une des «chansons les plus accrocheuses» de l'année et que plus de 201 000 exemplaires de partitions avaient été vendus au cours du second semestre de 1933 seulement.
Avant 1934, même avant le début des travaux, Kaufman et le spécialiste du cinéma et des médias Russell Merritt écrivaient dans leur livre compagnon Silly Symphonies: "La chanson avait été largement enregistrée et avait créé un nouveau précédent en introduisant le studio Disney dans le monde de la musique populaire" et ... qui sait - peut-être même jeté le copain dans l'eau pour ce qui se cachait au fond, une famille de requins entraînante (Doo Doo Doo Doo Doo Doo).
