Dans les années qui ont précédé la Première Guerre mondiale, l’Europe semblait perdre de son emprise sur la réalité. L'univers d'Einstein ressemblait à de la science fiction, les théories de Freud mettaient la raison sous l'emprise de l'inconscient et le communisme de Marx visait à bouleverser la société, avec le prolétariat au sommet. Les arts venaient aussi décollés. La musique de Schoenberg était atonale, les poèmes de Mal-larmé étaient mélangés de syntaxe et de mots éparpillés sur toute la page, et le cubisme de Picasso produisait un empreinte d'anatomie humaine.
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Et des idées encore plus radicales se dessinaient. Les anarchistes et les nihilistes habitaient la frange politique et une nouvelle génération d’artistes commençait à s’attaquer au concept même de l’art. À Paris, après s'être essayé à l'impressionnisme et au cubisme, Marcel Duchamp a rejeté toute peinture parce qu'elle était faite pour les yeux et non pour l'esprit.
«En 1913, j'ai eu la bonne idée de fixer une roue de vélo sur un tabouret de cuisine et de le regarder tourner», a-t-il écrit plus tard, décrivant la construction qu'il a appelée Bicycle Wheel, précurseur de l'art cinétique et conceptuel. En 1916, l'écrivain allemand Hugo Ball, qui s'était réfugié dans la Suisse neutre après la guerre, a évoqué l'état de l'art contemporain: «L'image de la forme humaine est en train de disparaître de la peinture de cette époque et tous les objets n'apparaissent que par fragments. […] L'étape suivante consiste pour la poésie à décider de supprimer le langage. ”
La même année, Ball a récité un tel poème sur la scène du Cabaret Voltaire à Zurich, une boîte de nuit (du nom du philosophe et satiriste français du XVIIIe siècle) que lui, Emmy Hennings (chanteur et poète qu'il épousera plus tard) et quelques amis expatriés s'étaient ouverts comme lieu de rassemblement d'artistes et d'écrivains. Le poème commençait: «Gadji beri bimba / glandridi lauli lonni cadori ...» C'était un non-sens total, bien sûr, destiné à un public qui semblait trop complaisant face à une guerre insensée. Les politiciens de tous les partis avaient proclamé la guerre cause noble - que ce soit pour défendre la haute culture allemande, les Lumières françaises ou l'empire britannique. Ball voulait choquer quiconque, a-t-il écrit, qui considérait «tout ce carnage civilisé comme un triomphe de l'intelligence européenne». Un artiste du Cabaret Voltaire, l'artiste roumain Tristan Tzara, a décrit ses spectacles nocturnes comme des «explosions d'imbécillité élective».
Ce nouveau mouvement artistique irrationnel s'appellerait Dada. Il tire son nom, selon Richard Huelsenbeck, un artiste allemand vivant à Zurich, lorsque Ball et lui sont tombés sur un mot dans un dictionnaire français-allemand. Pour Ball, ça va. «Dada est« oui, oui »en roumain, « cheval à bascule »et« cheval de loisir »en français», a-t-il noté dans son journal. "Pour les Allemands, c'est un signe de naïveté stupide, de joie de procréer et de préoccupation pour le landau." Tzara, qui déclara plus tard qu'il avait inventé le terme, l'a rapidement utilisé sur des affiches, a publié le premier journal de Dada et en a écrit un. parmi les premiers de nombreux manifestes Dada, dont quelques-uns, à juste titre, avaient beaucoup de sens.
Mais les perspectives absurdes se sont répandues comme une pandémie - Tzara a qualifié Dada de "microbe vierge" - et des épidémies ont éclaté de Berlin à Paris, à New York et même à Tokyo. Et malgré toute sa folie, le mouvement se révélerait être l’un des plus influents de l’art moderne, préfigurant l’art abstrait et conceptuel, l’art de la performance, l’op, la pop et l’installation. Mais Dada mourrait dans moins d’une décennie et n’a pas eu jusqu’à présent le genre de rétrospective majeure qu’il mérite.
L'exposition Dada à la National Gallery of Art de Washington, DC (jusqu'au 14 mai) présente quelque 400 peintures, sculptures, photographies, collages, estampes et enregistrements sonores et filmés de plus de 40 artistes. L’exposition, qui se rendra au Musée d’art moderne de New York (du 18 juin au 11 septembre), est une variante d’une exposition encore plus vaste ouverte au Centre Pompidou à Paris à l’automne 2005. Dans le but de faciliter la Les conservateurs américains Leah Dickerman, de la National Gallery, et Anne Umland, du MoMA, l’ont organisée autour des villes où le mouvement a prospéré: Zurich, Berlin, Hanovre, Cologne, New York et Paris.
Dickerman retrace les origines de Dada jusqu'à la Grande Guerre (1914-18), qui a fait 10 millions de morts et environ 20 millions de blessés. «Pour de nombreux intellectuels», écrit-elle dans le catalogue de la National Gallery, «la Première Guerre mondiale a provoqué un effondrement de la confiance dans la rhétorique - sinon les principes - de la culture de la rationalité qui prévalait en Europe depuis les Lumières.» Elle poursuit Pour citer Freud, qui a écrit qu'aucun événement «ne confondait un si grand nombre d'intelligences claires ou dégradait de manière aussi profonde ce qui est le plus élevé». Dada a embrassé et parodié cette confusion. «Dada souhaitait remplacer le non-sens logique des hommes d'aujourd'hui par un non-sens illogique», a écrit Gabrielle Buffet-Picabia, dont le mari de l'artiste, Francis Picabia, a un jour collé un singe empaillé à un tableau et l'a qualifié de portrait de Cézanne.
«Total pandemonium», écrivait Hans Arp, un jeune sculpteur alsacien à Zurich, au sujet du film «Cabaret Voltaire», «bigarré, bigarré et surpeuplé». «Tzara remue son derrière comme le ventre d'une danseuse orientale. Janco joue d'un violon invisible et s'incline et se gratte. Madame Hennings, avec un visage de Madonna, fait le grand écart. Huelsenbeck frappe sans arrêt sur le grand tambour, Ball l'accompagnant au piano, pâle comme un fantôme crayeux. "
Ces singeries ont frappé la foule dada comme pas plus absurde que la guerre elle-même. Une offensive allemande rapide en avril 1917 a provoqué la mort de 120 000 Français à seulement 150 miles de Paris. Un village a été témoin de la présence d'une bande de fantassins français (envoyés en renfort) menacés comme des agneaux conduits à l'abattage. de face. «Sans la Première Guerre mondiale, il n'y a pas de Dada», explique Laurent Le Bon, conservateur du spectacle du Centre Pompidou. "Mais il y a un proverbe français, 'Dada explique la guerre plus que la guerre ne l'explique Dada."
Deux des chefs militaires allemands avaient surnommé la guerre «Materialchlacht» ou «la bataille de l'équipement». Mais les dadas, comme ils s'appelaient eux-mêmes, ont supplié. "La guerre est basée sur une erreur grossière", écrivait Hugo Ball dans son journal le 26 juin 1915. "Les hommes ont été confondus avec des machines."
Ce n’est pas seulement la guerre, mais l’impact des médias modernes et de l’ère industrielle émergente de la science et de la technologie qui ont provoqué les artistes dada. Comme se plaignait un jour Arp, «le représentant de l'homme d'aujourd'hui n'est qu'un minuscule bouton sur une machine géante insensée. . Le symbole de la typographe représentant une main pointée est apparu fréquemment dans l'art dada et est devenu un emblème du mouvement - un geste inutile. Arp a créé des compositions abstraites à partir de formes de papier découpées, qu'il a laissées au hasard sur un fond et collées à l'endroit où elles sont tombées. Il a plaidé pour ce type d'abstraction du hasard comme moyen de débarrasser l'art de toute subjectivité. Duchamp a trouvé un moyen différent de rendre son art impersonnel: dessiner comme un ingénieur en mécanique plutôt que comme un artiste. Il préférait le dessin mécanique, a-t-il déclaré, car «cela dépasse toutes les conventions picturales».
Lorsque les dadaïstes choisissaient de représenter la forme humaine, celle-ci était souvent mutilée ou ressemblait à une apparence manufacturée ou mécanique. La multitude de vétérans gravement handicapés et la croissance d'une industrie de prothèses, déclare la conservatrice Leah Dickerman, "ont frappé les contemporains en créant une race d'hommes peu mécaniciens". L'artiste berlinois Raoul Hausmann a fabriqué une icône de Dada à partir d'un mannequin et d'une vêtements de poche - un portefeuille en peau de crocodile, une règle, le mécanisme d’une montre de poche - et l’appelle Tête mécanique (l’esprit de notre temps). Deux autres artistes berlinois, George Grosz et John Heartfield, ont transformé un mannequin de tailleur grandeur nature en sculpture en ajoutant un revolver, une sonnette de porte, un couteau et une fourchette et une croix de fer de l'armée allemande. ils lui ont donné une ampoule de travail pour la tête, une paire de prothèses à la fourche et un pied de lampe en guise de jambe artificielle.
Duchamp a retracé les racines de l'esprit farcis de Dada jusqu'au dramaturge satirique grec Aristophanes, du cinquième siècle avant Jésus-Christ, a déclaré Le Bon du Centre Pompidou. Une source plus immédiate, cependant, était l'absurdiste dramaturge français Alfred Jarry, dont la farce de 1895 Ubu Roi (King Ubu) a présenté «'Pataphysics» - «la science des solutions imaginaires». C'est le genre de science que Dada a applaudi. Erik Satie, compositeur d'avant-garde qui a collaboré avec Picasso à des productions théâtrales et participé aux soirées de Dada, a affirmé que ses collages sonores - une suite orchestrale avec des passages pour piano et sirène, par exemple - étaient «dominés par la pensée scientifique».
Duchamp a probablement eu le plus de succès en transformant les outils de la science en art. Né près de Rouen en 1887, il a grandi dans une famille bourgeoise qui encourage l'art - deux frères aînés et sa sœur cadette deviennent également des artistes. Ses premiers tableaux ont été influencés par Manet, Matisse et Picasso, mais son Nu descendant un escalier no. 2 (1912) - inspiré par les premières études photographiques du mouvement en mode stop-action - était tout à fait à lui. Dans la peinture, la femme nue semble prendre l’anatomie d’une machine.
Rejeté par le jury du Salon des Indépendants de 1912 à Paris, le tableau fit sensation en Amérique lorsqu'il fut exposé à New York au Armory Show de 1913 (la première grande exposition internationale d'art moderne du pays). Des parodies de bandes dessinées illustrant cette œuvre ont paru dans les journaux locaux. Un critique l'a qualifié d'une "explosion dans une fabrique de bardeaux". Le Nude a été enlevé (pour 240 dollars) par un collectionneur, à l'instar de trois autres Duchamps. Deux ans après le spectacle, Duchamp et Picabia, dont les peintures avaient également été vendues à l'Armory Show, ont échangé Paris pour Manhattan. Duchamp a rempli son atelier de la 67e rue ouest avec des objets achetés en magasin qu'il a appelés des «readymades»: une pelle à neige, une hatrack, un peigne de chien en métal. Expliquant ses choix quelques années plus tard, il a déclaré: «Vous devez aborder quelque chose avec indifférence, comme si vous n'aviez aucune émotion esthétique. Le choix des readymades est toujours basé sur l'indifférence visuelle et, en même temps, sur l'absence totale de bon ou de mauvais goût. »Duchamp n'a pas exposé ses readymades au début, mais il y voyait un autre moyen de saper les idées conventionnelles. à propos de l'art.
En 1917, il acheta un urinoir en porcelaine dans un magasin de fournitures de plomberie de la Cinquième Avenue, qu'il baptisa Fountain, le signa R. Mutt et le soumit à une exposition de la Society of Independent Artists à New York. Certains organisateurs du spectacle étaient consternés («les pauvres camarades ne pouvaient pas dormir pendant trois jours», a rappelé Duchamp plus tard), et la pièce a été rejetée. Duchamp a démissionné de son poste de président du comité de l'exposition à l'appui de Mutt et a publié une soutenance de l'œuvre. La publicité qui s'ensuivit contribua à faire de Fountain l'un des symboles les plus notoires de Dada, avec l'empreinte de Mona Lisa de Léonard de Vinci l'année suivante, à laquelle Duchamp avait ajouté une moustache et une barbiche au crayon.
Parodiant la méthode scientifique, Duchamp rédige des notes volumineuses, des diagrammes et des études pour son œuvre la plus énigmatique, The Bride Stripped Bare de Her Bachelors, Even (ou The Large Glass), un assemblage de feuilles de métal, de fils, d'huile et de vernis et poussière, intercalés entre des panneaux de verre. L'historien de l'art, Michael Taylor, décrit le travail comme «une allégorie complexe du désir frustré dans lequel les neuf célibataires en uniforme du panneau inférieur sont constamment empêchés de s'accoupler avec la fiancée biomécanique ci-dessus».
L'irrévérence de Duchamp envers la science a été partagée par deux de ses compagnons de New York, Picabia et un jeune photographe américain, Man Ray. Picabia pouvait dessiner avec la précision d'un artiste commercial, rendant ses diagrammes absurdes particulièrement convaincants. Alors que Duchamp construisait des machines à disques tournants créant des motifs en spirale surprenants, Picabia couvrait des toiles aux rayures désorientantes et aux cercles concentriques, une première forme d’expérimentation optique en peinture moderne. Man Ray, dont les photographies ont documenté les machines optiques de Duchamp, a laissé son empreinte sur la photographie en manipulant des images dans la chambre noire pour créer des illusions sur un film.
Après la fin de la guerre en 1918, Dada perturba la paix à Berlin, Cologne, Hanovre et Paris. À Berlin, l'artiste Hannah Höch a donné à Dada une touche ironique de la maison avec des collages intégrant des motifs de couture, des photographies découpées extraites de magazines de mode et des images d'une société militaire et industrielle allemande en ruine.
À Cologne, en 1920, l'artiste allemand Max Ernst et un groupe de dadas locales, exclues d'une exposition de musée, organisèrent leur propre spectacle «Dada Early Spring» dans la cour d'un pub. Une jeune fille vêtue d'une «robe de communion récitée de la poésie obscène, attaquant ainsi le caractère sacré du grand art et de la religion», note l'historienne de l'art Sabine Kriebel dans le catalogue de l'exposition actuelle. Dans la cour, «les téléspectateurs ont été encouragés à détruire une sculpture d'Ernst à laquelle il avait attaché une hache de guerre». La police de Cologne a fermé le spectacle, accusant les artistes d'obscénité pour avoir fait preuve de nudité. Mais l'accusation a été abandonnée lorsque l'obscénité s'est avérée être une empreinte d'une gravure de 1504 d'Albrecht Dürer intitulée Adam and Eve, qu'Ernst avait incorporée à l'une de ses sculptures.
À Hanovre, l'artiste Kurt Schwitters a commencé à faire de l'art à partir des détritus de l'Allemagne d'après-guerre. «Par parcimonie, j'ai pris ce que je trouvais pour le faire», a-t-il raconté au sujet des déchets qu'il a ramassés dans la rue et transformés en collages et assemblages de sculptures. "On peut même crier avec les ordures, et c'est ce que j'ai fait: les clouer et les coller ensemble." Né la même année que Duchamp - 1887 - Schwitters avait suivi une formation de peintre traditionnel et avait passé les années de guerre comme dessinateur en mécanique dans une entreprise locale. ferronnerie. À la fin de la guerre, cependant, il découvrit le mouvement dadaïste, bien qu'il rejetât le nom de Dada et proposa le sien, Merz, mot qu'il avait coupé d'une affiche publicitaire pour la Kommerz-und Privatbank (une banque commerciale) de Hanovre. collé dans un collage. Comme le fait remarquer Dickerman du Musée des beaux-arts, le mot invoquait non seulement argent mais aussi mot allemand pour douleur, Schmerz, et mot français pour excrément, merde. «Un peu d'argent, un peu de peine, un peu de mal, sont-ils l'essence même de l'art de Schwitters». La construction à forme libre construite à partir d'objets trouvés et de formes géométriques que l'artiste a appelé le Merzbau a commencé quelques collages en trois dimensions, ou assemblages, et ont grandi jusqu'à ce que sa maison soit devenue un chantier de construction de colonnes, niches et grottes. Avec le temps, la sculpture a en fait traversé le toit et les murs extérieurs du bâtiment; il y travaillait encore lorsqu'il a été forcé de fuir l'Allemagne par la montée au pouvoir des nazis. À la fin, le travail a été détruit par les bombardiers alliés au cours de la Seconde Guerre mondiale.
Le dernier cri de Dada a retenti à Paris au début des années 1920, lorsque Tzara, Ernst, Duchamp et d’autres pionniers de Dada ont pris part à une série d’expositions d’art provocateur, de représentations de nu, de productions théâtrales et de manifestes incompréhensibles. Mais le mouvement était en train de s'effondrer. Le critique et poète français André Breton a publié son propre manifeste de Dada, mais est tombé en conflit avec Tzara, alors que Picabia, fatigué de toutes ces querelles internes, a fui la scène. Au début des années 1920, Breton était déjà en train de faire naître la prochaine grande idée d'avant-garde, le surréalisme. «Dada, très heureusement, n'est plus un problème et ses funérailles, vers mai 1921, n'ont provoqué aucune émeute.»
Mais Dada, qui n'était pas encore mort, allait bientôt sortir de la tombe. Les abstractions d'Arp, les constructions de Schwitters, les cibles et les rayures de Picabia et les readymades de Duchamp se retrouvent bientôt dans les œuvres d'artistes et de mouvements artistiques majeurs du XXe siècle. Des abstractions de Stuart Davis au Pop Art d'Andy Warhol, des cibles et drapeaux de Jasper Johns aux collages et combinaisons de Robert Rauschenberg - presque partout où vous regardez dans l'art moderne et contemporain, Dada l'a fait en premier. Même Breton, décédé en 1966, a renoncé à son dédain pour Dada. "Fondamentalement, depuis Dada", a-t-il écrit, peu de temps avant sa mort, "nous n'avons rien fait".
