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Conférence du conservateur au musée d'art américain sur l'exposition d'art afro-américain

En noir et blanc, elle est assise, allongée entre les genoux d'une femme âgée. Ses cheveux sont à moitié tressés, ses yeux jettent un coup d'œil de côté vers la caméra. L'image, exposée au American Art Museum, est un moment dans Tengo Casi 500 Años (j'ai presque 500 ans) du photographe Tony Gleaton, mais quand Renée Ater l'a vue, elle aurait pu jurer qu'elle se regardait.

Bien que la jeune fille sur la photo se trouve au Honduras, la conservatrice, Virginia Mecklenburg, a déclaré quand Ater, professeur d'histoire de l'art à l'Université du Maryland, l'a vue: «C'est comme si je regardais dans un miroir depuis mon âge. Ater expliqua à Mecklembourg: «Se tresser les cheveux était quelque chose qui impliquait la communauté. Ce n'était pas une personne qui faisait toutes vos tresses. Si les gens se fatiguaient les mains ou si vous bougiez ou quelque chose comme ça, les gens s'éloignaient et c'était donc devenu un moyen pour une fille de faire partie du groupe des femmes.

L'idée d'un individu qui rencontre la communauté et la société anime une grande partie du travail de l'exposition «Art africain américain: la renaissance de Harlem, l'ère des droits civiques et au-delà» du Musée d'art américain, comme c'est le cas du bar-grill Jacob Lawrence , créé après son premier voyage dans le sud très séparé. Mais Mecklenburg, qui donnera la conférence à son commissaire demain, a déclaré à propos de la série: «À certains égards, c'est - je ne sais pas si je devrais dire cela à haute voix - mais c'est une sorte d'antithème." Diaspora africaine, injustice et travail acharné, le spectacle passe d’artiste à artiste, moyen à moyen, d’année en année. L'exposition présente le travail de 43 artistes et plusieurs nouvelles acquisitions, y compris la peinture de Lawrence. Figure majeure de l'art afro-américain, le travail de Lawrence peut souvent occulter les artistes aux prises avec des préoccupations divergentes.

L’exposition présente des travaux récents, notamment la bande rouge sur fond vert de 1986 de Felrath Hines. L'exposition présente des travaux récents, y compris 1986 Red Stripe with Green Background de Felrath Hines. (Musée d'art américain)

Felrath Hines était l'un de ces artistes, qui a dirigé le laboratoire de conservation à la National Portrait Gallery, puis au Hirshhorn. La bande rouge de Hines sur fond vert est entourée de portraits et de sculptures d'objets trouvés. Contrairement au réalisme social cubiste des œuvres de Lawrence, les formes géométriques abstraites de Hines sont calmes et ouvertes, sans protestation. «Ce sont ces abstractions géométriques incroyablement immaculées, absolument parfaitement calibrées. Il y a une humeur chez chacun d'eux », déclare Mecklenburg. Il est artiste et a étudié au prestigieux Pratt Institute de Brooklyn. Et c'est un artiste noir.

Mecklenburg voulait organiser un groupe d'artistes sous la bannière de l'art afro-américain pour montrer à quel point cela pouvait être incroyablement diversifié, qu'il n'y avait pas une seule chose dans l'esprit des artistes noirs. «Nous avons tendance à catégoriser les choses pour que ce soit plus facile à comprendre et à comprendre les relations, mais quand vous regardez la réalité, c'est compliqué, c'est un peu brouillon.»

«Nous sommes un musée d'art américain et l'une de nos missions et convictions est que nous devons être un représentant de tous les artistes américains, de tous les artistes que nous sommes en tant que pays», a déclaré Mecklenburg. C'est une affirmation évidente maintenant, mais lorsque le Metropolitan Museum of Art a organisé son exposition «Harlem On My Mind» en 1969, il a décidé de ne présenter aucun artiste de Harlem. Les artistes noirs, y compris Hines, ont protesté contre le manque de représentation non seulement dans l’exposition consacrée à Harlem, mais aussi dans les grandes collections permanentes.

Mélangeant de multiples traditions religieuses, Keith Morrison crée une vision unique de son monde et de sa mémoire. 1988 Mélangeant de multiples traditions religieuses, Keith Morrison crée une vision unique de son monde et de sa mémoire. 1988 (Musée d'art américain)

Le spectacle en profite également, car le Mecklembourg connaît personnellement de nombreux artistes. Elle sait, par exemple, que la peinture bizarre Zombie Jamboree de Keith Morrison n’est pas simplement une étude des traditions religieuses imbriquées avec lesquelles Morrison a grandi en Jamaïque, mais un souvenir fantastique de son enfance. «Un de ses amis s'était noyé dans un lac quand ils étaient garçons, dit Mecklenburg, surtout quand tu es un jeune garçon, tu ne sais pas où ton ami est parti et tu ne sais pas ce qui lui est arrivé, mais vous entendez des histoires. Donc, vous avez cette imagination incroyable et vivante - il l'a certainement fait. "

Plutôt que de créer une chronologie du développement artistique, Mecklenburg a créé une constellation, une conversation cosmique dont chaque artiste faisait à la fois partie intégrante et qui en était distincte.

«Ce que j'espère, c'est que les gens verront un univers d'idées qui leur permettra de mieux comprendre la culture afro-américaine. Rien de monolithique à propos de la culture et de l'art afro-américains. J'espère qu'ils finiront par voir que le travail est aussi varié, beau, esthétique et d'une portée aussi grande en termes de signification et de concept que l'art de n'importe quelle autre communauté. ”

Voir un diaporama d'images dans l'exposition ici.

Conférence du conservateur au musée d'art américain sur l'exposition d'art afro-américain