Je me souviens de la première fois que j'ai vu Eddie Van Halen sur MTV, de la façon dont il a joué les deux mains de la touche pendant son court solo de guitare «Jump». J'ai adoré sa guitare «Frankenstein», qui porte bien son nom, car il a assemblé diverses parties de la guitare et décoré sa création avec du ruban adhésif coloré et de la peinture. Même à l'âge de 13 ans qui a grandi principalement en écoutant de la musique classique et en jouant de la musique classique, je me suis senti obligé de sortir et d'acheter le disque «1984» de son groupe dans mon magasin Tower Records local.
Contenu connexe
- Questions et réponses avec Eddie Van Halen
Le rock'n'roll est une industrie qui repousse sans cesse les frontières musicale, sociale et culturelle, et la guitare électrique en est l'instrument emblématique. La version acoustique existe depuis au moins le 16ème siècle. Ainsi, lorsque j'ai commencé à travailler avec le co-commissaire Gary Sturm sur une exposition sur l'invention de la guitare électrique au Musée national d'histoire américaine du Smithsonian, notre question était: pourquoi électrifier cet instrument vieux de plusieurs siècles? La réponse la plus simple: les guitaristes voulaient plus de volume.
Au cours du 19ème siècle, les guitares faisaient partie d'un ensemble musical. Au fur et à mesure que la taille des espaces de performance augmentait, les instruments à cordes tels que les guitares étaient difficiles à entendre par rapport aux autres instruments, notamment les cors. En conséquence, la guitare acoustique de style espagnol traditionnelle - en bois avec un dessus plat, un corps creux symétrique, un trou pour le son au centre et des cordes en boyau - a commencé à changer de taille, de forme et de construction. Par exemple, à la fin des années 1890, Orville Gibson, fondateur de la Gibson Mandolin-Guitar Manufacturing Company, a conçu une guitare avec une partie supérieure bombée (ou incurvée) qui était plus forte et plus puissante que la précédente conception à dessus plat.
Au cours des trois premières décennies du XXe siècle, avec la popularité croissante de la musique hawaïenne et big band en Amérique, les fabricants de guitares ont construit des instruments plus gros, utilisant de l'acier au lieu de cordes en boyau et du métal au lieu du bois pour le corps de la guitare. Vers 1925, John Dopyera conçut une guitare avec des cônes de résonance en métal intégrés au sommet qui amplifiaient le son de l'instrument. Cela convenait à la musique hawaïenne et blues twangy, mais pas aux autres genres. Puis, dans les années 1920, les innovations apportées aux microphones et aux haut-parleurs, à la radiodiffusion et à l'industrie du disque ont permis une amplification électronique des guitares. Le volume a soudainement pu monter, monter.
La guitare électrique est essentiellement née en 1929, bien avant l’avènement de la musique Rock'n Roll. La société Stromberg-Voisinet de Chicago a offert la première guitare électrique commercialisée cette année-là, bien que ce ne soit pas un succès retentissant. La première guitare électrique à succès, «Frying Pan» de Rickenbacker, n'a pas encore lancé Rock 'n' Roll non plus, mais elle a inspiré ses concurrents à se lancer sur le marché de la guitare électrique. Inventé en 1931, le poêle à frire avait un capteur électromagnétique constitué d'une paire d'aimants en fer à cheval placés bout à bout pour créer un ovale autour des cordes de la guitare, avec une bobine placée sous les cordes. Le micro, un appareil qui convertissait les vibrations des cordes en signaux électriques pouvant être amplifiés, était volumineux et peu attrayant. Mais cela a fonctionné. La version commerciale de la poêle à frire était une guitare creuse en acier recouvert d’aluminium creux. Elle ne fut pas un succès immédiat au-delà de certains musiciens hawaïens, country et blues. Elle diffère de la guitare de style espagnol traditionnelle en ce qu’elle se joue à l’horizontale, sur un pied ou sur les genoux du joueur, et comporte une barre en acier coulissante qui peut être déplacée le long des frettes pour un effet glissant.
Les appareils électriques de style espagnol, que vous pouviez poser devant vous en chantant, se sont révélés beaucoup plus polyvalents pour de nombreux genres musicaux. La Gibson 1936 ES-150 (E pour Electric et S pour Espagnol) possédait un micro électronique élégant en forme de barre qui était monté dans le corps creux de la guitare pour un look plus épuré. Le pick-up a reçu le surnom de «Charlie Christian» grâce au virtuose du jazz, généralement crédité de l'introduction du solo de guitare électrique. En 1939, Christian se présenta devant le groupe de Benny Goodman et interpréta de longs passages compliqués imitant le style de jeu de cuivres. Il a expliqué: "Les guitaristes ont longtemps besoin d'un champion, quelqu'un pour expliquer au monde entier qu'un guitariste est plus qu'un robot tirant sur un gadget pour maintenir le rythme."
La guitare électrique de style espagnol a beaucoup été bricolée dans les années 1930 et 1940, car l'électronique d'un instrument à corps creux provoquait distorsion, harmonisation et restitution, ce qui était particulièrement problématique pour les sessions d'enregistrement. Les historiens et les passionnés de guitare aiment débattre de la personne qui a véritablement développé la première guitare de style espagnol à corps plein pour résoudre ces problèmes de son. L'American History Museum possède un rare Slingerland Songster fabriqué en 1939 ou avant. Ce modèle est peut-être la plus ancienne guitare électrique de style espagnol à corps plein du commerce.
Indépendamment du débat sur l’invention, il est clair que l’ancien réparateur de radio Leo Fender a été le premier à produire en série et à vendre une guitare électrique de style espagnol à corps plein qui a fait ses preuves. La société Fender Broadcaster de 1950, construite simplement par sa société (rebaptisée Telecaster à la suite d'un litige en matière de marque), au corps plat et au cou vissé, était initialement considérée par les concurrents comme trop simple et manquant de savoir-faire. Le président de Gibson, Ted McCarty, a qualifié cette guitare de "guitare à planches". Pourtant, son design breveté et pratique était optimal pour la production en série d'une guitare à corps plein bon marché, ce qui a valu à Fender le surnom de "Henry Ford de la guitare électrique".
Une rivalité a éclaté entre Fender et Gibson, créant certains des corps électriques les plus convoités par les musiciens et les collectionneurs, notamment le modèle Gibson «Les Paul» de 1952 avec un sommet incurvé et un chevalet combiné (la guitare a été conçue principalement par McCarty, avec l’apport du célèbre guitariste qui l’a approuvé), la Fender Stratocaster de 1954 et une version de 1958 de la Gibson Les Paul avec un nouveau micro «humbucker» qui transmettait moins d’interférences de fond causées par du matériel électrique.
La Fender Stratocaster est peut-être la guitare électrique la plus largement reconnaissable et la plus associée à l’essor de la musique rock and roll. Il comportait un design en double coupe distinctif qui permettait aux musiciens de jouer des notes plus hautes en atteignant plus haut la touche, trois micros (ce qui permettait une plus grande gamme de sons depuis les guitares précédentes qui n’avaient que deux micros au maximum), et un système de trémolo breveté qui a permis aux joueurs de monter ou de baisser la hauteur des cordes. Aux mains de guitaristes comme Buddy Holly, Eric Clapton, Bonnie Raitt et bien d’autres, la Stratocaster est devenue une icône du rock'n'roll américain qui a conquis le monde. La Stratocaster, la Gibson Les Paul et d'autres appareils électriques à corps solide étaient tout sauf polyvalents, et les guitaristes de rock étaient obsédés par la polyvalence. Les guitaristes pouvaient non seulement changer le son, le volume et la hauteur, mais aussi manipuler le son en jouant à proximité de l'amplificateur, en broyant les cordes et en utilisant des accessoires comme la pédale wah-wah. Jimi Hendrix était le maître de la manipulation de cet instrument, incitant des générations de guitaristes à expérimenter de manière créative leurs techniques de jeu et leurs équipements.
Dans les années 1970 et 80, le son de la guitare électrique était étiré dans la musique heavy metal. En tant qu’un de ses principaux praticiens, Van Halen a poussé à la limite son «Frankenstein» (basé sur une Stratocaster mais avec un mélange d’autres parties de guitare), en expérimentant, par exemple, le «bombardement en piqué». utilise le bras de tremolo pour baisser la note la plus basse de la guitare. Hendrix avait fait cela, mais avait forcé la guitare à se désaccorder. Cependant, au milieu des années 1980, l'inventeur Floyd Rose avait amélioré le système de tremolo, permettant ainsi à des joueurs comme Van Halen de piquer à plusieurs reprises. Le son de la guitare était désormais non seulement fort, mais aussi vraiment bruyant, criard et un peu sale - comme le voulaient les musiciens et leurs fans.
Il est ironique de constater que Leo Fender, le créateur de l'instrument le plus influent de la musique rock, n'était pas réellement un fan de Rock 'n' Roll; il a préféré pays et western. Mais cela vous montre qu'une fois que quelque chose de nouveau est disponible, vous ne pouvez pas empêcher les décideurs et les joueurs de le réinventer, de l'adapter à de nouveaux objectifs, de le démonter et de le reconstituer de nouvelles façons. La guitare électrique est un excellent exemple de conséquences inattendues. Au départ, il voulait juste être un peu plus fort, mais il a fini par prendre le relais et réinventer la musique et la culture populaires. Allons-nous même reconnaître le son de la guitare électrique dans 10 ou 20 ans? Pour ma part, j'espère que non.
Monica M. Smith est historienne et responsable du programme d'exposition au Lemelson Center du Smithsonian pour l'étude de l'invention et de l'innovation au Musée national d'histoire américaine du Smithsonian. Elle a écrit ceci pour Ce que cela signifie d'être américain, une conversation nationale organisée par le Smithsonian et la place publique Zócalo.
