Paul Gauguin n'a pas manqué de confiance. «Je suis un grand artiste et je le sais», s'est-il vanté dans une lettre adressée à sa femme en 1892. Il a dit à peu près la même chose à ses amis, à ses revendeurs et au public, décrivant souvent son travail comme étant encore meilleur que ce qu'il était auparavant. À la lumière de l'histoire de l'art moderne, sa confiance était justifiée.
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Peintre, sculpteur, graveur, céramiste et écrivain, Gauguin est aujourd'hui l'un des géants du post-impressionnisme et un pionnier du modernisme. Il était aussi un grand conteur, créant des récits dans tous les médias qu’il touchait. Certains de ses récits étaient vrais, d'autres proches des fabrications. Même les chefs-d'œuvre tahitiens luxuriants pour lesquels il est le plus connu reflètent un paradis exotique plus imaginaire que réel. Les fables de Gauguin étaient destinées à promouvoir lui-même et son art, une intention qui rencontrait plus de succès avec l'homme que son travail; il était bien connu de son vivant, mais ses peintures se sont mal vendues.
«Gauguin a créé sa propre personnalité et a créé son propre mythe quant à la nature de cet homme», a déclaré Nicholas Serota, directeur de la Tate à Londres, dont l'exposition «Gauguin: Créateur de mythes» a été présentée à la National Gallery de Washington. d'Art (jusqu'au 5 juin). «Gauguin avait vraiment le sentiment d'avoir une grande qualité artistique», déclare Belinda Thomson, commissaire de l'exposition à la Tate Modern. "Mais il joue aussi à des jeux, alors vous n'êtes pas sûr de pouvoir le prendre à la lettre."
Parmi les près de 120 œuvres exposées à Washington, plusieurs autoportraits fascinants représentent Gauguin sous différentes formes: peintre en difficulté dans un atelier de mansarde; victime persécutée; même comme Christ dans le jardin des oliviers. Un autoportrait de 1889 le montre avec une sainte auréole et un serpent diabolique (avec des pommes Garden of Eden pour faire bonne mesure), suggérant à quel point il pouvait être contradictoire.
Certes, l'artiste aurait été ravi de l'attention renouvelée; son but, après tout, était d'être célèbre. Il s'habillait bizarrement, écrivait des critiques égoïstes de son travail, faisait la cour à la presse et distribuait même des photographies de lui-même à ses fans. Il était souvent ivre, belligérant et promiscuité, voire suicidaire. Il s'est éloigné de la société parisienne pour s'installer dans des lieux de plus en plus exotiques - Bretagne, Martinique, Tahiti et enfin aux îles Marquises en Polynésie française - pour échapper à un monde qui, selon lui, se modernisait trop rapidement.
Ses couleurs vives, son aplatissement de la perspective, ses formes simplifiées et la découverte de ce que l’on appelle l’art primitif ont conduit les érudits à le créditer d’influencer le fauvisme, le cubisme et le surréalisme. Sa puissante personnalité a également contribué à établir la convention d'artiste iconoclaste (comme Andy Warhol ou Julian Schnabel). «Il s'est inspiré du symbolisme et de la poésie français, de la philosophie anglaise, de la Bible et des légendes des mers du Sud», explique Mary G. Morton, conservatrice de la peinture française à la National Gallery. "Il a adopté une approche multiculturelle dans son travail."
Soyez mystérieuses est le titre que Gauguin a donné à un bas-relief en bois représentant une baigneuse. C'était un précepte par lequel il vivait. Comme si ses peintures n'étaient pas suffisamment pleines d'ambiguïté, il leur donna des titres délibérément confus. Certaines étaient sous forme de questions, telles que D'où venons-nous? Que sommes-nous? Où allons-nous?, une scène tropicale aussi déroutante que son titre. D'autres ont été écrits en tahitien, une langue que certains acheteurs potentiels ont trouvé déconcertante. Même dans ses premières images, Gauguin insère un objet étrange: une chope démesurée, par exemple, dans le charmant portrait de son jeune fils endormi, Clovis. Dans The Loss of Virginity, l’élément étrange est un renard dont la patte est posée sur la poitrine d’une femme nue allongée dans un paysage breton. (Le modèle, une couturière parisienne, allait bientôt porter l'enfant de Gauguin, une fille nommée Germaine.)
L'artiste lui-même était probablement le renard sur la photo, un animal qu'il qualifiait de «symbole indien de la perversité». Un huitième des Péruviens, ce fils de bourgeois parisiens s'est souvent qualifié de sauvage. Son premier revendeur, Theo van Gogh (frère de Vincent), a laissé entendre que le travail de Gauguin était difficile à vendre car il était «moitié inca, moitié européen, superstitieux comme le précédent et avancé dans les idées comme certains d'entre eux».
Les mers du Sud ont fourni à Gauguin certaines de ses meilleures occasions de créer des légendes. Déçu que de nombreux rituels et dieux traditionnels aient déjà disparu de la culture tahitienne, il a simplement reconstruit le sien. De retour à Paris, il crée l'une de ses sculptures les plus énigmatiques: un nu féminin grotesque aux yeux exorbités, piétinant un loup ensanglanté à ses pieds tout en tenant une petite créature avec ses mains. Gauguin le considérait comme son chef-d’œuvre en céramique et voulait le placer sur sa tombe. Son titre: Oviri, tahitien pour «sauvage».
La vie de Gauguin était assez intéressante sans toutes les mythologies. Eugène Henri Paul Gauguin est né le 7 juin 1848 à Paris d'un journaliste politique, Clovis Gauguin, et de son épouse, Aline Marie Chazal, fille d'un éminent féministe. Alors que les révolutions balayaient l'Europe alors que Paul avait à peine un an, la famille chercha la sécurité relative du Pérou, où Clovis avait l'intention de créer un journal. Mais il est mort en route, laissant Aline, la soeur de Paul et Marie, Marie, pour continuer à Lima, où ils sont restés avec l'oncle d'Aline.
Cinq ans plus tard, ils sont rentrés en France. Gauguin était de retour en haute mer à l'âge de 17 ans, d'abord dans la marine marchande, puis dans la marine française. «Comme vous pouvez le constater, ma vie a toujours été très agitée et inégale», écrit-il dans Avant et Après, des réflexions autobiographiques publiées après sa mort. "En moi, beaucoup de mélanges."
À la mort de la mère de Gauguin, en 1867, son ami intime, Gustave Arosa, financier et collectionneur d’art, devint son tuteur. Arosa présente son quartier aux peintres parisiens, l’aide à trouver un emploi de courtier en valeurs mobilières et lui permet de rencontrer Mette Gad, la Danoise qu’il épousera en 1873.
À l’époque, Gauguin était entouré de personnes qui souhaitaient devenir des artistes, y compris son courtier en valeurs mobilières Émile Schuffenecker, qui resterait un ami même après que les autres en aient eu marre des ébats de Gauguin. Ils ont assisté à des expositions d'art, acheté des tableaux en français et des estampes japonaises, et ont trempé dans des huiles. Même s’il n’était qu’un peintre du dimanche, Gauguin fit accepter un paysage au grand salon de Paris de 1876. Six ans plus tard, lorsqu'il perdit son emploi dans le krach boursier de 1882, Gauguin se consacra à la peinture à temps plein. une femme et quatre enfants à entretenir. «Personne ne lui a donné l’idée de peindre», a dit beaucoup plus tard à l’un des biographes de son mari. "Il a peint parce qu'il ne pouvait pas faire autrement."
Pour économiser de l'argent, la famille, qui comprendrait en définitive cinq enfants, a déménagé dans la maison familiale de Mette à Copenhague. Gauguin se décrit comme «plus que jamais tourmenté par son art» et il ne reste que six mois avec ses beaux-parents. Il revient à Clovis avec son fils à Paris en juin 1885. Clovis est confié à Marie; Gauguin n'a plus jamais vécu avec sa famille.
Une quête de logements toujours meilleur marché le conduisit en Bretagne en 1886, où l'artiste écrivit bientôt à sa femme avec une bravade caractéristique qu'il était «respecté en tant que meilleur peintre» à Pont-Aven, «bien que cela ne mette plus d'argent dans ma poche. »Les artistes ont été attirés par le village situé sur la pointe ouest de la France pour la rudesse de son paysage, ses habitants costumés prêts à poser et les superstitions celtiques superposées à des rituels catholiques qui imprégnaient la vie quotidienne. «J'aime la Bretagne», a écrit Gauguin. «Je trouve le sauvage et le primitif ici. Lorsque mes sabots résonnent sur ce sol de granit, j'entends le bruit sourd et puissant que je recherche en peinture.
Bien qu’admirateur de Claude Monet, collectionneur de Paul Cézanne, élève de Camille Pissarro et ami d’Edgar Degas, Gauguin cherchait depuis longtemps à dépasser l’impressionnisme. Il souhaitait que son art soit plus intellectuel, plus spirituel et moins dépendant d'impressions rapides du monde physique.
À Pont-Aven, son travail a pris une direction radicalement nouvelle. Sa vision du sermon fut le premier tableau dans lequel il utilisa des couleurs vives et des formes simples dans des contours audacieux et noirs, dans un style appelé cloisonnisme rappelant le vitrail. L'effet a déplacé la peinture de la réalité naturelle vers un espace plus surnaturel. Dans Sermon, une branche d'arbre sur un champ de vermillon divise l'image en diagonale, à la japonaise. Au premier plan, un groupe de femmes bretonnes, dont les bonnets traditionnels ressemblent à des «casques monstrueux» (comme l'écrit Gauguin à Vincent van Gogh), ont fermé les yeux rêveuses. En haut à droite se trouve leur expérience religieuse collective: la scène biblique de Jacob luttant avec un ange aux ailes d'or. La réaction d'un critique à cette image évocatrice et hallucinatoire a été d'oindre Gauguin, le maître du symbolisme.
Heureux de cette grande toile, Gauguin a fait appel à des amis artistes pour le porter devant une église de pierre à proximité. Mais le prêtre local a refusé le don, le qualifiant de «non religieux et sans intérêt». Gauguin a saisi cet affront pour saisir les relations publiques, écrivant des lettres scandalisées et encourageant ses collaborateurs à passer le mot à Paris. Comme le note l'historienne de l'art Nancy Mowll Mathews, «la vision du sermon de Gauguin acquit plus de notoriété en étant rejetée qu'elle n'aurait jamais été acceptée poliment par le prêtre et tout aussi poliment placée dans un placard».
En 1888, comme il est maintenant légendaire, Vincent van Gogh a invité Gauguin, qu'il avait rencontré à Paris, à le rejoindre à Arles pour créer un «Studio du Sud» d'artistes. Au début, Gauguin s'est opposé, affirmant qu'il était malade, endetté. - trop impliqué ou trop impliqué dans une entreprise potentielle. Mais Theo van Gogh a donné à Gauguin, toujours pauvre, une raison d'accepter l'invitation de son frère - une allocation en échange d'un tableau par mois. Le séjour de deux mois de Gauguin à la Maison Jaune à Arles s'est avéré productif - et chargé. "Vincent et moi ne sommes pas très d'accord, surtout pas sur la peinture", écrit Gauguin au début du mois de décembre. Dans une dispute ivre peu après, van Gogh a approché Gauguin avec un rasoir. Gauguin s'enfuit et Van Gogh se retourna le rasoir, lui coupant une partie de l'oreille. Malgré tout, les deux correspondaient jusqu'à ce que van Gogh se suicida 18 mois plus tard.
Après le retour d'Arles de Gauguin à Paris, il a créé l'une de ses sculptures les plus étranges, le vase à autoportrait en forme de tête coupée . Peut-être une allusion à Jean-Baptiste, cette tête en grès dégouline d'un vernis macabre rouge. Cette image macabre est-elle issue de l'expérience sanglante vécue avec Van Gogh? La guillotine d'un meurtrier reconnu coupable que Gauguin avait récemment vu? Ou était-ce simplement un signe de tête de la fascination actuelle pour le macabre?
L'exposition universelle de 1889, pour laquelle la tour Eiffel a été construite, a marqué un tournant pour Gauguin. Il a assisté avec enthousiasme à l'exposition Wild West de Buffalo Bill, a admiré les moulages en plâtre du temple bouddhiste de Borobudur et a regardé les peintures exposées. Les artistes qui ne faisaient pas partie de ces expositions parrainées par l'État ont tenté de capitaliser sur la popularité de la foire (28 millions de personnes) en organisant leurs propres spectacles en dehors du périmètre. Mais le non-invité Gauguin, soutenu en grande partie par le dévoué Schuffenecker, a audacieusement monté une exposition collective au café Volpini sur le champ de foire.
Gauguin était particulièrement séduit par les expositions ethnographiques de l'Exposition, mettant en vedette des autochtones des colonies françaises d'Afrique et du Pacifique Sud. Il a peint des danseurs javanais, collectionné des photographies du Cambodge et a par ailleurs attisé son désir d'un Elysium tropical. Il voulait, a-t-il écrit, "se débarrasser de l'influence de la civilisation ... pour se plonger dans la nature vierge, ne voir personne d'autre que des sauvages, vivre sa vie". Il était également conscient que "la nouveauté est essentielle pour stimuler les stupides. public d'achat. "
C'est probablement l'Exposition qui l'a dirigé vers Tahiti. Alors qu'il se préparait pour son voyage l'année suivante, il écrivit à un ami: «Sous un ciel sans hiver, sur un sol merveilleusement fertile, le Tahitien n'a qu'à lever les bras pour rassembler sa nourriture." La description est presque mot pour mot. le manuel officiel de l'exposition.
En arrivant à Papeete, la capitale de la Polynésie française, en juin 1891, Gauguin le trouva bien moins exotique qu'il ne l'avait imaginé ou espéré. «Le sol tahitien est en train de devenir complètement français», a-t-il écrit à Mette. «Nos missionnaires avaient déjà introduit beaucoup d'hypocrisie protestante et effacé une partie de la poésie» de l'île. Les missionnaires avaient également transformé la mode féminine, sans doute à la consternation de Gauguin, du sarong et du paré traditionnel aux robes en coton à col haut et à manches longues. Il s’installa bientôt dans le village de Mataiea, où les habitants de la région, ainsi que le paysage tropical, lui plaisaient davantage parce qu’ils étaient moins occidentalisés.
Gauguin a reconnu la disparition de l'ancien ordre tahitien dans son tableau inquiétant Arii Matamoe (The Royal End) . La pièce maîtresse est une tête coupée que Gauguin a décrit avec froideur: «joliment disposée sur un coussin blanc dans un palais de mon invention et gardée par des femmes aussi de mon invention». L'inspiration de la peinture, sinon de la décapitation, aurait pu être les funérailles du roi Pomare V, dont Gauguin a été témoin peu après son arrivée sur l'île; Pomare n'a pas été décapité.
Bien qu’un anticléricien véhément, l’artiste n’a pas pu complètement ébranler son héritage catholique. Son respectueux, The Last Supper, oppose l'éclat du halo jaune Christ de Christ aux brillantes sculptures tribales. Dans la Nativité, une infirmière tahitienne tient l'enfant Jésus, tandis qu'un ange à ailes vertes monte la garde et qu'une Mary épuisée se repose.
Dans ses cahiers et dans son imagination, Gauguin portait les œuvres qui lui tenaient le plus à cœur. Parmi eux: des photographies de peintures de tombes égyptiennes, des chefs-d'œuvre de la Renaissance et un catalogue de vente aux enchères de 1878 de la collection de son gardien Arosa, avec des œuvres de Camille Corot, Gustave Courbet et Eugène Delacroix. Comme beaucoup d'artistes aujourd'hui, dont Jeff Koons, Richard Price et Cindy Sherman, Gauguin s'est tout à fait exproprié. «Il n'a pas dissimulé ses emprunts, qui étaient très variés», explique le conservateur Thomson. "C'est une autre façon dont il est si moderne."
Au mur de sa hutte en bambou à Mataeia, Gauguin a suspendu un exemplaire d' Olympia, la peinture révolutionnaire d'Édouard Manet représentant une prostituée sans scrupule nue avec une fleur dans les cheveux. Gauguin, qui a toujours fait des bêtises, a fait croire à sa jeune maîtresse, Tehamana, qu'il s'agissait d'un portrait de sa femme. Tehamana a servi de modèle à plusieurs œuvres de l'exposition, notamment Merahi Metua no Tehamana (Les ancêtres de Tehamana), Te Nave Nave Favea (La terre charmante) et Manao tupapau (L'esprit des gardes de la mort) .
Bien que le chef-d'œuvre de Manet, que Gauguin avait copié, ait sans doute inspiré Manao tupapau, l'amant de Gauguin ne repose pas sur elle comme Olympia mais sur son ventre, ses yeux regardant par-dessus son épaule avec terreur, l'esprit noir à capuchon, près du pied du lit.
"En l'état, l'étude est un peu indécente", a reconnu Gauguin dans Noa Noa, un récit de ses voyages en Tahitien, qu'il avait écrit après son retour à Paris. «Et pourtant, je veux faire une image chaste, qui traduise la mentalité autochtone, son caractère, sa tradition.» Gauguin a donc créé pour le tableau une histoire en arrière-plan, qui pourrait être vraie ou non. Il a affirmé que lorsqu'il était rentré dans la cabane tard dans la nuit, les lampes s'étaient éteintes. Allumant une allumette, il a tellement effrayé Tehamana de son sommeil qu'elle l'a regardé comme s'il était un étranger. Gauguin a fourni une cause raisonnable à sa peur - «les indigènes vivent dans une peur constante du [tupapau]». Malgré ses efforts pour contrôler et modérer le récit, l'Académie suédoise des beaux-arts a trouvé Manao tupapau inconvenant et l'a retiré d'une exposition à Gauguin en 1898.
Bien que les deux années de Gauguin à Tahiti aient été productives (il a peint environ 80 toiles et réalisé de nombreux dessins et sculptures en bois), elles ont rapporté peu d’argent. Découragé, il décide de rentrer en France et débarque à Marseille en août 1893 avec seulement quatre francs à son actif. Mais avec l'aide d'amis et d'un petit héritage, il fut bientôt capable de monter une exposition personnelle de son travail tahitien. L'accueil des critiques a été mitigé, mais le critique Octave Mirbeau s'est émerveillé devant la capacité unique de Gauguin de capturer «l'âme de cette race curieuse, son passé mystérieux et terrible et l'étrange volupté de son soleil». Et Degas, alors à l'apogée de son succès influence, acheté plusieurs peintures.
Il a transformé son atelier de Montparnasse en un salon éclectique pour les poètes et les artistes. Jouant pour la reconnaissance, il s'est habillé dans un gilet bleu avec un fez astrakan, portait une canne sculptée à la main et renforçait son image frappante avec encore une autre jeune maîtresse, l'adolescente Anna the Javanese et son singe de compagnie. Elle accompagna Gauguin à Pont-Aven, où Gauguin prévoyait de passer l'été 1894. Mais au lieu de profiter du stimulus artistique de la Bretagne, Gauguin se retrouva bientôt dans une bagarre avec des marins bretons, qui s'en prennent à Anna et à son singe, lui avec une jambe cassée. Alors qu'il se remettait, Anna est retournée à Paris et a pillé son appartement, mettant ainsi fin à leur relation qui durait depuis plusieurs mois.
Les féministes pourraient considérer l'action d'Anna comme une récompense pour les longs abus de femmes de Gauguin. Après tout, il a abandonné sa femme et ses enfants, a cherché des amoureux des mineurs et a mené une vie d'hédonisme qui s'est terminée par une insuffisance cardiaque exacerbée par la syphilis. Malgré tout, il a souvent exprimé sa tristesse devant son mariage raté et ses enfants en particulier lui ont manqué. Et il créa beaucoup plus d'images féminines que d'hommes, partageant avec ses contemporains symbolistes l'idée de l'éternel féminin, dans lequel les femmes étaient soit des séductrices femmes fatales, soit des sources vertueuses d'énergie spirituelle. Ses belles et énigmatiques femmes tahitiennes sont devenues des icônes de l'art moderne.
Ensuite, il y a les gravures sophistiquées sur les portes qui identifient la dernière résidence de Gauguin dans les îles des Marquises, une contrée lointaine, en Polynésie française, à 350 km au nord-est de Tahiti. En septembre 1901, il s'y rendit à l'âge de 53 ans pour trouver, disait-il, «un environnement non civilisé et une solitude totale» qui «raviveront mon imagination et permettront à mon talent de se terminer». Les lettres sculptées sans-serif de la porte épellent la Maison du Jouir ( House of Pleasure) - effectivement, un lieu de mauvaise réputation. Peut-être pour narguer son voisin, l'évêque catholique, le portail présente des nus féminins debout et l'exhortation à «Soyez amoureuses vous serez heureuses» - «Sois amoureuse et tu seras heureuse.» La conservatrice de la Tate, Christine Riding, suggère que le travail pourrait ne pas être aussi anti-féministe que les mœurs d'aujourd'hui pourraient l'indiquer. Gauguin offre peut-être aux femmes une idée libératrice: pourquoi ne devraient-elles pas aimer faire l'amour autant que les hommes?
Gauguin a passé ses derniers jours à se battre contre les autorités coloniales pour corruption présumée et contre ce qu’il considérait comme une réglementation injustifiée de l’alcool et de la moralité de l’enfant. En costume autochtone et pieds nus, il a également soutenu devant un tribunal qu'il ne devrait pas avoir à payer d'impôts. «Pour moi, c'est vrai: je suis un sauvage», écrit-il à Charles Morice, le collaborateur de son mémoire Noa Noa . «Et les civilisés le soupçonnent, car rien n’a été aussi surprenant et déconcertant dans mes œuvres que cet aspect« sauvage malgré moi ». C'est pourquoi [mon travail] est inimitable. "
Alors que son état de santé se détériorait, Gauguin envisagea de retourner en Europe. Son ami Daniel de Monfreid s’y est opposé, affirmant que l’artiste n’était pas prêt à faire le voyage et qu’un retour à Paris mettrait en péril sa réputation grandissante. «Vous êtes en ce moment cet artiste extraordinaire et légendaire qui envoie du fond de l'Océanie ses œuvres déconcertantes et inimitables, les œuvres définitives d'un grand homme qui a pour ainsi dire disparu de la surface de la terre.
Malade et sans le sou, Gauguin mourut à l'âge de 54 ans le 8 mai 1903 et fut enterré aux Marquises. Une petite rétrospective a eu lieu à Paris cette année-là. Une exposition majeure de 227 œuvres a suivi en 1906, qui a influencé entre autres Pablo Picasso et Henri Matisse. Gauguin était enfin célèbre.
Ann Morrison est l’ancienne rédactrice de Asiaweek et co-éditeur de l’édition européenne de Time . Elle habite maintenant à Paris.
Paul Gauguin, dans un autoportrait de 1889, insiste sur le fait qu'il veut "se débarrasser de l'influence de la civilisation". (Galerie d'art nationale, collection Chester Dale) 
La maitresse tahitienne de Gauguin, Tehamana, a inspiré nombre de ses œuvres des mers du Sud, notamment le luxuriant Te Nave Nave Favea (Le pays enchanteur), 1892, dans lequel une veille tahitienne cherche une fleur. (Musée d'art d'Ohara) 
Arii Matamoe (The Royal End), 1892, pourrait être basée sur les obsèques du roi tahitien Pomare V. (Musée J. Paul Getty, Los Angeles) 
Gauguin a appelé la sculpture en bas-relief d'une baigneuse Be Mysterious, 1889, précepte selon lequel il a vécu toute sa vie. (Musée D'Orsay / Réunion des Musées Nationaux / Art Resource, NY) 
Cette tête en céramique émaillée, 1889, est un autoportrait de Gauguin. (Musée danois de l'art et du design, Copenhague) 
"Vincent et moi ne sommes pas très d'accord", écrit Gauguin, 1888, au sujet de la colocataire d'Arles, van Gogh. (Bridgeman Art Library International) 
Pourquoi Gauguin a-t-il inclus une chope de bois dans le portrait de son fils, Clovis Asleep, 1884? La réponse réside peut-être dans le besoin de l'artiste de défier les conventions ou, plus probablement, il a simplement aimé la peindre: la possession précieuse apparaît dans plusieurs de ses œuvres. (Collection privée) 
Bien qu’un anticléricien véhément, Gauguin a tissé les symboles de son éducation catholique dans nombre de ses peintures. Dans la Nativité de 1896, une nounou à l'apparence tahitienne tient l'enfant Jésus, tandis qu'un ange à ailes vertes monte la garde; en arrière plan, Mary dort. (Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg) 
"Je suis un grand artiste et je le sais", écrit Gauguin dans un autoportrait de 1903, en 1892. "C'est parce que je le sais que j'ai enduré de telles souffrances." (Kunstmuseum / Erich Lessing / Ressources artistiques) 
Gauguin a peint Merahi Metua no Tehamana (Les ancêtres de Tehamana) à Tahiti en 1893. (Institut d'art de Chicago, Don de M. et Mme Charles Deering McCormick) 
Gauguin, Nature morte avec éventail, 1888. (Réunion des musées nationaux / Art Resource, NY) 
Gauguin, Te Rerioa (Le rêve), 1897. (The Samuel Courtauld Trust, Galerie Courtauld, Londres) 
Gauguin, Bonjour Monsieur Gauguin, 1889. (Musée Hammer, Los Angeles, Collection Armand Hammer, Don de la Fondation Armand Hammer) 
Gauguin, Le Christ au jardin des oliviers, 1889. (Musée d'art Norton, West Palm Beach, Don d'Elizabeth C. Norton) 
Gauguin, deux enfants, v. 1889. (Ny Carlsberg Glyptotek, Copenhague) 
Gauguin, No te aha oe ririr (Pourquoi êtes-vous en colère?), 1896. (Collection de M. et Mme Martin A. Ryerson de l'Art Institute of Chicago) 
Gauguin, Te Faaturuma (La femme qui couve), 1892. (Worcester Art Museum) 
Gauguin, Portrait de l'artiste avec idole, v. 1893. (Collection du McNay Art Museum, San Antonio, legs de Marion Koogler McNay) 
Gauguin, Le Christ jaune, 1889. (© Galerie d'art Albright-Knox / Art Resource, NY)
