Ellsworth Kelly, considéré comme l'un des plus grands artistes américains du XXe siècle pour son travail de pionnier dans le domaine de la peinture et de la sculpture minimalistes, s'est éteint dimanche à son domicile de Spencertown, à New York, à l'âge de 92 ans. Couleurs intenses, Kelly a construit pendant sept décennies une réputation d’abstraction colorée et d’œuvres qui explorent l’essence même de leurs sujets.
Ses premières œuvres d'art ont été créées au service des États-Unis, au sein d'une unité spéciale de camouflage en France pendant la Seconde Guerre mondiale. Kelly et ses camarades artistes-soldats ont été chargés de persuader les Allemands - en utilisant du caoutchouc et du bois pour construire de faux chars et de faux camions - de penser que les multitudes de troupes alliées sur le champ de bataille étaient bien plus vastes que la réalité. Bien que cela semble être une formation précoce non conventionnelle pour un artiste, cela s’est avéré être un entraînement approprié pour Kelly.
«Il a pu comprendre que certaines de ces réalités étaient camouflées pour la plupart d'entre nous», déclare Virginia Mecklenburg, conservatrice en chef du Smithsonian American Art Museum. «Il évoquerait ces réalités - une sensation distincte de gravité, ou une physique du poids et de l’élan à laquelle nous pensons rarement en termes concrets. Il a réussi à faire passer ça.
Après son service, Kelly s’inscrit à l’école du musée des beaux-arts de Boston et rentre à Paris en 1948, absorbant diverses influences, dont Picasso et Matisse, l’art asiatique et les églises romanes. De retour aux États-Unis, il présente sa première exposition personnelle en 1956. Trois ans plus tard, les œuvres de Kelly font partie de l'exposition des 16 Américains du Museum of Modern Art (MoMA). Ses œuvres abstraites géométriques, ainsi que celles d’autres peintres américains, dont Ad Reinhardt et Brice Marden, ont été surnommées «peintures rigoureuses» par l’historien de l’art Jules Langsner en 1959.
Au cours des années 1960, il s'est taillé un créneau distinct des mondes de l'art à New York et à Paris. Mecklenburg affirme que son travail est remarquable par la manière dont il a réduit l'architecture, les images et les autres visuels qu'il a vus dans le monde et dans l'art, les transformant en abstractions directes et viscérales. En utilisant des couleurs de base - bleu, vert, blanc, noir - et des toiles simples (pour ensuite se transformer en toiles et sculptures multiples), il a créé des énoncés «moins descriptifs qu'évocateurs», comme elle le dit.
«Ils prennent du temps à regarder, mais une fois que vous avez pris du recul, vous réalisez que vous regardez quelque chose que vous avez vu encore et encore», dit Mecklenburg, citant l'exemple de la peinture de 1961 «Blue on White» exposée aux États-Unis. Art Museum, qui évoque, dit-elle, le déploiement d’une feuille. «Tout à coup, vous commencez à comprendre que si vous dissociez des idées narratives, quelle est la force de l'impulsion visuelle chez chaque être humain."
Ellsworth Kelly, «Blue on White», 1969 (Musée d'art américain Smithsonian) Il participa à la Biennale de Venise en 1966 (et à trois autres au cours des années suivantes), à sa première rétrospective américaine au MoMA en 1973 et à sa première grande rétrospective européenne au Stedelijk Museum d'Amsterdam six ans plus tard.
"Ellsworth Kelly a fait la transition de l'abstraction géométrique d'après-guerre au mouvement minimaliste qui a débuté au début des années 1970", a déclaré Valerie Fletcher, conservatrice principale du Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, qui possède 22 œuvres de Kelly, notamment "White Relief over Dark Blue". ”De 2002, visible au troisième étage du musée, et une sculpture sans titre de 1986 exposée dans le jardin. "Si vous comparez ses peintures à celles de sa génération, elles sont beaucoup plus simples."
Certaines de ces œuvres prennent une qualité «totémique», comme le décrit Mecklenburg, en rappelant «Memorial», sa sculpture murale de quatre panneaux blancs au United States Holocaust Memorial Museum. «Comment parlez-vous de quelque chose de cette ampleur?» Demande-t-elle. "Il y a soit un million de mots, soit aucun mot, et il n'a choisi aucun mot."
Son approche simple et géométrique a eu un impact sur la prochaine génération de minimalistes - Frank Stella, Donald Judd et autres - avec des œuvres explorant l'essence des idées ou des émotions de manière tangible et tactile.
«Il a eu un impact énorme sur le monde de l'art, mais son travail parle d'une manière viscérale à quiconque le regarde», ajoute Mecklenburg. «Je dois dire que son travail suscite beaucoup de joie et d’énergie. Vous revenez au centre quand vous le regardez.
