Plus tard ce mois-ci, la sitcom familiale bien-aimée des années 1990, «Roseanne», revient sur ABC. Le redémarrage a lieu à un moment culturel parfait: la comédie télévisée est florissante à son deuxième âge d'or et, bien que de récentes émissions aient progressé dans l'exploration des questions d'identité de la race à la sexualité, l'éléphant dans le salon américain n'a pas été abordé avec discernement. les 20 années de “Roseanne” ont disparu.
Dès leur apparition après la Seconde Guerre mondiale, les sitcoms américaines ont présenté principalement des familles blanches aisées et ambitieuses; Pensez aux Cleavers sur «Laissez-le à Beaver», les Anderson sur «Le père le sait mieux» et les Nelson sur «Les aventures d'Ozzie et Harriet». Une étude universitaire de 262 comédies de situation de 1946 à 1990 a révélé que seulement 11% des cols bleus en tant que chefs de famille, les plus remarquables étant les deux comédies «ethniques» provenant directement d’anciennes émissions radiophoniques telles que «The Goldbergs» et «Amos 'n' Andy». Dans les années 50 et 60, Le genre était dominé par des protagonistes professionnels formés au collège et leurs impressionnantes demeures immaculées. (La seule véritable exception était «The Honeymooners», qui a été diffusé au milieu des années 50 et qui mettait en vedette Jackie Gleason dans le rôle de conducteur de bus de la ville de New York et de possible agresseur domestique, Ralph Kramden.)
Tout a changé dans les années 1970, lorsque les médias ont «découvert» la classe ouvrière américaine, alors que le pays était confronté à de nombreux changements économiques parallèlement aux changements sociaux découlant des mouvements de défense des droits civiques et de la femme. La prospérité de l'après-guerre a cédé le pas à une période d'instabilité marquée par une croissance molle, une inflation record, des prix du pétrole élevés, la désindustrialisation et la concurrence étrangère. Alors que les communautés de couleur avaient toujours du mal à s'en sortir en raison de moins d'opportunités de travail rémunéré, de nombreux Américains de race blanche ont constaté que leur part des primes d'après-guerre diminuait au cours de cette période, menaçant leur niveau de vie pour la première fois depuis la Grande Dépression.
Bien que le mythe obstiné de l’Amérique en tant que société «sans classe» ait perduré, notre réalité socio-économique ressemblait davantage à la stratification de classe qui existait depuis des générations en Europe. De manière appropriée, notre première sitcom à succès post-entreprise et consciente de sa classe était basée sur un programme diffusé de l'autre côté de l'étang. Inspiré de «Till Death Do Us Part» en Grande-Bretagne, le scénariste et producteur Norman Lear a créé «All in the Family» en 1971, qui a duré neuf saisons sur CBS. Comme son inspiration britannique, la série parlait du fossé des générations entre un patriarche réactionnaire et sa progéniture plus libérale.
«All in the Family» a été un succès commercial sans précédent, se classant au premier rang des classements Neilsen depuis cinq ans. En 1975, un cinquième de tout le pays était à l'écoute. Carroll O'Connor, dans le rôle de Archie Bunker, un ouvrier des docks de l'entrepôt qui conduisait un taxi pour gagner un revenu supplémentaire, était Carroll O'Connor. leur maison en rangée Queens. La sitcom, comme le reste de l' œuvre de Lear, représente un tournant pour son engagement dans des thèmes d'actualité et controversés tels que les relations interraciales, l'homosexualité et le féminisme - un effort pour atteindre un public de baby-boomers - et pour représenter le genre de travailleurs ordinaires qui avait jusqu'ici été invisible à l'écran. Archie était l'un des premiers salariés blancs de la comédie télévisée, minant ainsi la perception des médias selon laquelle les Américains blancs constituaient un groupe démographique de la classe moyenne homogène.
«Archie chomps des cigares bon marché, suce de la bière de supermarché et contrôle tous les droits nationaux et étrangers de son fauteuil préféré devant la télévision défoncée», a lu un article paru dans Newsweek en 1971. Les spectateurs pouvaient voir des reflets de leurs propres maisons dans la maison en rangée «joyeuse» du Bunker, avec du papier peint écaillé, des empreintes de doigt sur les interrupteurs et de la crasse sur les carreaux de la cuisine. Selon Ryan Lintelman, conservateur au Musée national d'histoire américaine du Smithsonian, «le salon de la maison Bunker, à l'instar de son emplacement à Astoria, dans le Queens, a été conçu pour mettre en valeur l'authenticité de la classe ouvrière d'Archie». une partie de la collection du musée, "était censé ressembler à un meuble bien utilisé qui aurait pu se trouver dans n'importe quelle maison familiale: confortable, mais usé, un peu terne et démodé." (Plus tôt cette année, la famille de Jean Stapleton, qui a joué l'épouse d'Archie, Edith, a fait don du tablier qu'elle a mis et d'autres objets de sa carrière au musée.)
L'esthétique délabrée reflétait les traits de caractère d'Archie; il était rétrograde, incapable de faire face au monde moderne, un naïf laissé par les bouleversements sociaux des années 1960 et 1970, un «perdant historique» pathétiquement déplacé. Lear l'utilisa comme un moyen de donner au racisme et au sexisme une folie et un déni, mais les libéraux ont protesté contre cela en tant que «bigot adorable», Archie a en fait rendu l'intolérance acceptable. Lear avait l'intention de créer une figure satirique et exagérée, ce qu'un critique de télévision a qualifié de "hyperbole hardhat", mais tout le monde n'a pas compris la blague.
Archie était compréhensible pour les membres de l'auditoire qui se sentaient coincés dans des emplois sans issue avec peu d'espoir de mobilité ascendante et qui étaient tout aussi abasourdis par les nouvelles règles du politiquement correct. Pour ces téléspectateurs conservateurs blancs, il représentait un héros folklorique. Ils ont acheté des souvenirs «Archie pour le président» sans ironie et ont exprimé leur sympathie pour son désir du bon vieux temps. Archie était à la fois le centre émotionnel de «All in the Family» et la cible évidente de son ridicule.
«Tout dans la famille» a ouvert les portes à plus de représentations des travailleurs pauvres dans les comédies de situation des années 1970. «Sanford and Son», également produit par Lear, parlait de la sous-classe urbaine afro-américaine et se déroulait dans une casse littérale à Los Angeles. Le comédien Redd Foxx a joué Fred Sanford, un schemer grincheux et intolérant (l'archétype du «filou» du folklore noir) qui a refusé d'adhérer aux mœurs sociales de la classe moyenne auxquelles aspirait son fils, Lamont.
En un sens, Fred était l’équivalent noir d’Archie, et l’émission était un autre regard sur l’écart de génération culturelle de la décennie. «Good Times» mettait en vedette une famille noire travailleuse vivant dans les projets du centre-ville de Chicago et abordait des problèmes réalistes tels que l'expulsion, les gangs de rue, les préjugés raciaux et un système scolaire public inadéquat. Plusieurs militants noirs ont reproché à «Good Times» de s'appuyer sur des stéréotypes et des bouffonneries nuisibles. Récemment, Lear a déclaré sur un podcast que des membres du Black Panther Party le mettaient spécifiquement au défi d'élargir la gamme de personnages noirs de ses émissions. Mais d’autres ont apprécié l’émission pour avoir dépeint une famille nucléaire noire intacte, ce sur quoi les acteurs avaient insisté tout au long du processus de production. Ensemble, ces programmes ont suscité un débat sur les types d’images de télévision les mieux adaptés à la communauté afro-américaine. Cela a peut-être finalement entraîné une série de sitcoms sur des familles noires bien nanties, comme «The Jefferson», et plus tard «The Cosby Show» et «Le nouveau prince de Bel-Air», ce que certains critiques pensaient avoir offert. représentations plus édifiantes des Afro-Américains.
Le mouvement féministe de la deuxième vague des années 1970 a largement mis l'accent sur les opportunités offertes aux femmes professionnelles, comme en témoigne la popularité de «The Mary Tyler Moore Show». Cependant, les femmes de la classe ouvrière n'étaient pas totalement absentes des sitcoms; dans «Alice», une mère veuve a réussi à joindre les deux bouts en serveuse lors d'un dîner au bord de la route. Pourtant, même si les femmes et les personnes de couleur ont toujours constitué la majorité des travailleurs à faible revenu de notre pays, c'est Archie Bunker qui est resté le visage de l'Amérique des cols bleus dans l'imaginaire populaire pendant des décennies.
Enfin, en 1988, “Roseanne” a fait ses débuts sur ABC. L'émission mettait en vedette Roseanne Barr et tournait autour de deux parents qui travaillent qui élèvent leurs enfants dans une ville fictive de l'Illinois. C'était un succès éclatant, à égalité avec «The Cosby Show», l'émission de télévision la plus populaire du pays durant la saison 1989-1990. Dans une interview avec Terry Gross à l'époque, Barr a souligné: «C'est un spectacle sur la classe et les femmes.» Son personnage, Roseanne Conner, a travaillé dans une série d'emplois dans le service cols roses instables et ingrats. Dans un article paru dans The New Republic, la journaliste Barbara Ehrenreich a observé que des personnages tels que Roseanne rendaient visibles les "occupants en polyester de la lente piste en surpoids, serveuses fast food, ouvriers d'usine, femmes au foyer ... les méprisés, les délassés, les sous-payés. " «Roseanne» a évoqué une sorte de «féminisme prolétarien» dans lequel une mère et sa femme pouvaient exprimer le ressentiment maternel, occuper un espace physique excessif et se comporter de manière non-cycliste et indisciplinée. La lutte économique a été le thème de la série, mais les Conners n’avaient aucune aspiration à la culture de la classe moyenne supérieure. Les fans de la série l'ont loué pour sa "réalité", une manière d'indiquer que les personnages avaient l'air, parlaient et travaillaient comme eux.
Cette vision réaliste de la famille américaine moyenne - ne manquant pas de dysfonctionnement - s'est poursuivie dans les années 1990, ce qui a peut-être été l'apogée de la sitcom de la classe ouvrière. «Grace Under Fire» et «The Nanny» centrées sur les travailleuses, et «Married With Children», ainsi que «The Simpsons» et «King of the Hill» ont utilisé l'humour sarcastique de Lowbrow pour confondre la masculinité normative des cols bleus, nous procurant une loin de "Père sait mieux."
Depuis lors, la comédie télévisée s'est éloignée du format traditionnel de la sitcom - les morceaux de rire, en particulier, sont considérés comme hacky et obsolètes, et le concept de «famille» a évolué pour inclure les non-parents - mais la classe a également pris le pas sur plus en vogue sur les politiques d’identité, peut-être en raison de l’augmentation lente mais constante des possibilités offertes aux groupes historiquement sous-représentés d’Hollywood de raconter leurs propres histoires.
Mais avec l’inégalité croissante des revenus et la grève des travailleurs dans les médias, il semble que le moment soit venu de revoir la classe. Bien sûr, la nostalgie des années 90 peut suffire à la reprise de «Roseanne», en particulier pour un public millénaire - mais selon les rumeurs, cette saison mettra également en vedette des personnages féminins et des supporters de Trump. La même question qui a affecté «Tous dans la famille» sera probablement posée à nouveau; à qui les téléspectateurs s'identifieront-ils et à qui riront-ils? La politique de classe sur les sitcoms a toujours été plus compliquée que ce que nous attribuons au genre.
Sascha Cohen est un écrivain et historien indépendant. Elle termine actuellement sa thèse de doctorat à la Brandeis University, qui examine la satire américaine de 1969 à 1989 .
