Avec des mouvements patients et délibérés, linn meyers passe des heures à transmuter ses lignes dessinées individuellement en un de ses dessins ou installations palpitants. Bien qu'elle planifie à l'avance des feuilles de route volumineuses pour ses œuvres, elle se laisse également faire face aux difficultés qui vont inévitablement se produire au cours de son processus, laissant ces nouveaux mouvements guider ses explorations abstraites vers de nouveaux endroits.
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Comme le nom du récent dessin mural à grande échelle de meyers, "Let's Get Lost", atteste, l'installation, qui a fait ses débuts cet automne au Museum of Art du Bowdoin College, est le geste intentionnel de suivre un autre tournant inattendu sur la route.
Cette fois-ci, ses lignes distinctives ne correspondent pas seulement à l'architecture de l'espace, mais ont également pour tâche de créer quelque chose de nouveau: établir les paramètres physiques permettant d'extraire les sons invisibles intégrés à «Listening Glass». Une installation complémentaire qui a fait ses débuts en collaboration avec «Let's Get Lost», «Listening Glass» a été créé par Rebecca Bray, artiste et designer d’expérience (dont les crédits passés comprennent le responsable de la conception de l’expérience au Smithsonian National Museum of Natural History); Jimmy Bigbee Garver, concepteur sonore et compositeur; et Josh Knowles, développeur d'applications, en partenariat avec meyers.
Si ce sont là beaucoup de mots à digérer, le résultat, une expérience artistique participative semblable à une synesthésie, est, par sa conception, facile à comprendre. Essentiellement, «Listening Glass» vous permet de jouer à «Let's Get Lost» comme un instrument. Les visiteurs armés de téléphones cellulaires téléchargent une application créée par Knowles pour découvrir les notes de musique audibles dans le morceau de meyers. En tenant leurs téléphones dans l'installation, l'application peut découvrir des sons tout en explorant le dessin à grande échelle de meyers, qui joue en concert avec des sons déjà joués par des haut-parleurs installés dans la galerie.
«Let's Get Lost» et «Listening Glass» (toutes les connotations d' Alice au pays des merveilles étaient inattendues) sont le fruit d'une communication imprévue entre les œuvres précédentes des artistes. En mai 2016, Meyers a dévoilé sa plus grande œuvre à ce jour, «Our View From Here», un ambitieux dessin long de 400 pieds qui longeait le couloir en forme de beignet du Hirshhorn Museum and Sculpture du Smithsonian. Pendant que la pièce était à l'affiche, Bray et Garver ont indépendamment créé le concept «Framing Device», une œuvre audio interactive qui s'inspire d'une collaboration antérieure en matière de son et d'art performatif des artistes appelée «Silosphere». Dans «Silosphere», les participants ont placé leur tête des appareils semblables à des globe terrestres équipés d'un écran et de haut-parleurs, pour créer une expérience confinée avec la seule connexion au monde extérieur provenant d'une source vidéo provenant d'une caméra vidéo extérieure. S'appuyant sur celui de «Framing Device», une pièce recadrant le guide audio de la galerie d'art, les participants ont reçu des masques et des écouteurs sans fil, syntonisés sur deux options de canal différentes: une visite audio du musée (avec acteur) et un monologue intérieur. d’un visiteur conscient, pour inciter les participants à revoir le paysage d’une galerie d’art.
«Cela peut sembler très contraignant, de la manière dont on s'attend - ou on s'attend à soi-même - à expérimenter l'art dans un cadre institutionnel ou organisé typique», déclare Bray. Dans leurs collaborations, elle et Garver s'intéressent à la création d'un art participatif qui «demande quelque chose au spectateur et l'invite à y participer, d'une manière qui change la relation».
«Framing Device» s'est réuni pour «Sound Scene», un festival annuel célébrant l'écoute, organisé par Hirshhorn pour la première fois en 2016, lorsque «Our View From Here» était présenté. À cause de cela, le travail de meyers est devenu une partie intégrante de la tournée audio de «Framing Device», une chose qu’elle-même ignorait elle-même jusqu’à ce qu’elle se soit présentée à l’événement et ait écouté elle-même le morceau.
«Elle est venue nous voir après et a dit, wow, c'est tellement intéressant. Je n'ai jamais vraiment vu mon travail de cette façon », se souvient Bray.
Les artistes ont commencé à prendre un café ensemble pour discuter des idées qu’ils exploraient et de la manière dont ils pourraient travailler ensemble. meyers travaille sans gabarit ni ruban adhésif pour dessiner les milliers de lignes fluides qui se rejoignent pour créer ses derniers éléments. Son processus incontestable vous oblige à regarder l'art et à comprendre pourquoi il prend les formes qu'il prend. Mais elle était intéressée par la manière dont Bray et Garver pourraient faire en sorte que quelqu'un ralentisse et approfondisse ses propos. «Let's Get Lost» et «Listening Glass» sont les résultats de ce défi.
Voir ce post sur InstagramÉtudiants et visiteurs explorant «Let's Get Lost» et «Listening Glass» au vernissage hier soir. Cette fantastique exposition sera ouverte toute l'année! # Bcmaletsgetlost #bcmalisteningglass
Un article partagé par le Bowdoin College Museum of Art (@bowdoinmuseum) le 28 septembre 2018 à 17h30, heure de Paris.
«Ce projet est devenu une évolution parallèle à nos conversations», explique Meyers. Lors de leurs premiers entretiens, les artistes ont essayé de tenter la réalité virtuelle et la réalité augmentée, mais ils se sont éloignés de cette idée, craignant que la technologie ne puisse submerger l’art. Ils voulaient créer une expérience artistique interactive où la technologie servait l'art, et non l'inverse. Ils ont fait appel à Knowles, que Bray connaît depuis de nombreuses années dans les domaines de la technologie interactive et de l’art, afin de les aider à traduire leur idée de travail en mêlant l’art de Meyers aux sons de Garver.
Il n'était pas immédiatement évident de savoir comment s'y prendre. "Est-ce que je vais faire une musique qui ressemble à vos dessins ou dessiner quelque chose qui ressemble à votre musique?", Dit Garver. "Nous avons tous les deux beaucoup changé."
Chacune des quatre d’entre elles ne recoupait guère leurs compétences, ce qui les obligeait à être vraiment délibérées à chaque étape du processus d’idéation. «Parce que chacune de nos pièces était intimement liée aux pièces de tous les autres, il n'y avait personne qui partait dans une pièce pour la faire et la présenter à tout le monde», explique Bray. Au lieu de cela, ils devaient constamment parler à travers leurs différents médias et dégager les compromis et opportunités de chaque décision créative.
«C’est vraiment difficile de parler, et nous avons presque dû inventer notre propre langage, ce qui était intéressant en soi», dit Meyers. Ce qui a aidé, dit-elle, est qu'ils savaient tous qu'ils venaient au travail avec un ensemble de valeurs partagées et une vision partagée. À un moment donné, Bray les a même écrites. L'idée à laquelle ils travaillaient, dit Meyers, était de «créer une pièce qui impliquait le public de manière à ce que celui-ci achève le travail».
Il y avait beaucoup à négocier: l'architecture de l'espace, l'art de Meyers, les sons de Garver (qu'ils utilisaient tous deux au téléphone et ceux qu'ils voulaient jouer en permanence dans la pièce), la technologie, comment le faire ressortir par le mouvement, et bien sûr, le public. «Nous avons créé de nombreux documents, diagrammes et feuilles de calcul pour nous aider mutuellement à comprendre», déclare Garver.
L’expérience de l’audience était ce qu’ils avaient le plus rapporté dans leurs conversations. Selon M. Bray, l'une des plus grandes négociations dans le domaine des arts interactifs consiste à créer quelque chose qui présente peu d'obstacles à l'entrée - «généreux» est un terme qu'elle utilise souvent - mais qui est également capable de transformer la manière dont on voit les choses.
«Comment rapprochons-nous les gens de l'art? Pas seulement physiquement, mais pour ralentir et considérer les lignes elles-mêmes; les pièces de l'art ainsi que le tout? », dit-elle du défi auquel ils étaient confrontés.
Ils voulaient faire de l'espace une conversation entre l'artiste et le spectateur. Au cours d'une retraite estivale, Meyers a dessiné quatre dessins préparatoires sur les murs du salon de Bray et Garver. Ils ont ensuite invité les gens à jouer avec l'application et à interagir avec les dessins muraux.
Cela a conduit à plus de bricolage. Par exemple, le logiciel rencontrait des problèmes pour distinguer la couleur charnue que Meyers utilisait pour remplir ses "ombres d'un vide" avec le plancher de bois de la pièce et la garniture de fenêtre. Pour que le son reste propre à l'élément sur lequel il était pointé, Meyers a ajouté une ligne bleue à chaque quadrant afin que l'appareil puisse mieux distinguer l'art de l'environnement.
Les sons eux-mêmes, qui peuvent être générés par le mouvement et la localisation, comprennent un son de piano, un son pincé, une voix et une cloche. «Ils sont très gentils à la vanille», dit Garver. "La beauté est la chose intéressante qui se produit lorsque les gens la prennent et l'utilisent."
Garver a continué à décaper les compositions à chaque itération du projet. Ce qu’il a compris, c’est que plus le son est complexe et complexe, plus il est difficile de comprendre à qui appartiennent les actions qui le génèrent. «J'essayais simplement de faciliter le déplacement de l'instrument et de ne pas faire de la musique. C'était nouveau pour lui. "Je n'ai jamais rien fait de tel auparavant", dit-il. "Même à ce jour", dit-il, il s'interroge sur le travail. "Est-ce que cela ressemble à ces lignes?"
Le voyage à travers la galerie peut donner l’impression de nager dans l’océan. «C'est un peu une expérience accablante, car il y a une énorme quantité de sons graves que vous êtes devant et tout autour, mais lorsque vous vous déplacez dans l'espace, vous émettez de petits sons», explique Garver. C'est ainsi que le fils de Bray et Garver, âgé de 7 ans, décrit l'expérience immersive: «comme un poisson qui flotte à travers les vagues».
L'application de Knowles, disponible au téléchargement sur iTunes (et pouvant également être lue en dehors de la galerie), n'est pas liée aux sons qu'elle est actuellement programmée. Le logiciel peut être adapté et les artistes ont déjà parlé à Bowdoin de la possibilité de demander aux étudiants de composer de nouveaux sons pour l'installation et de chorégraphier une performance dans la galerie. L'idée est que les artistes avec des téléphones placés stratégiquement sur leur corps puissent jouer une composition musicale dans la pièce avec leurs mouvements.
Lorsque les installations ont fait leurs débuts en septembre, Bray a observé que les gens utilisaient leur téléphone non pas pour envoyer des SMS, mais plutôt comme une baguette les guidant tout au long de l'histoire de la galerie. «Nous avons vraiment vu des gens prendre leur temps, suivre une ligne ou suivre le genre de courbe qu’il dessinait», dit-elle.
Ce n'est pas la première collaboration de Meyers. «J'aime travailler seule», dit-elle en référence à son travail en studio. «J'adore son activité solitaire et je ne voudrais jamais renoncer à cette partie.» Mais tout au long de sa carrière, elle a toujours été attirée par l'idée de créer des idées avec d'autres artistes. «Cela vous emmène dans un territoire moins confortable et moins familier», dit-elle. "Vous pouvez le faire vous-même, mais c'est plus difficile."
Sa prochaine collaboration est de travailler avec Tim Doud et Caitlin Teal Price, deux autres artistes basés à Washington, DC, pour ouvrir un studio abordable appelé STABLE. Prévu pour ouvrir en février 2019, le studio de 10 000 pieds carrés situé dans la partie est d'Eckington a pour objectif de mieux relier les artistes et de créer une communauté parmi eux dans le district. Selon moi, l’idée est de rendre DC «plus convivial avec les artistes et de devenir un lieu où les artistes veulent rester».
De manière appropriée, alors que «Listening Glass» peut être joué en solo, il y a quelque chose de plus riche qui se passe lorsque ceux de la galerie se réunissent pour créer des compositions. Si tous les visiteurs à un moment donné font le même geste en même temps avec leur téléphone, ils peuvent déverrouiller un effet sonore spécial.
"Let's Get Lost" et "Listening Glass" sont également présentés au Bowdoin College Museum of Art jusqu'au 29 septembre 2019.
