Lorsque les gens disent que quelqu'un «vit» vraiment son art, cela signifie peut-être qu'elle prend son travail très au sérieux. Mais pendant près de trois mois, la vie de Linn Meyers a vraiment consisté en son art - elle a à peine fait autre chose. Elle passait jusqu'à onze heures par jour au deuxième étage circulaire du Hirshhorn Museum du Smithsonian, dessinant sur les murs. Ce qui peut sembler un jeu d'enfant, mais ne l'est certainement pas.
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Meyers a utilisé une combinaison de précision extrême et de chance totale de créer Our View From Here, un dessin grand format qui hypnotise ses spectateurs. Son travail, qui occupe 400 pieds linéaires de murs de musée, est exposé jusqu'au 14 mai 2017 et fait partie d'un récent effort visant à utiliser de nouveaux espaces dans le Hirshhorn.
Le musée était ouvert pendant une bonne partie du temps, elle travaillait sur la pièce et fascinait les visiteurs ébahies lorsqu'elle appliquait son outil choisi - une sorte de marqueur épais préféré des graffeurs - aux murs, qui étaient peints de manière neutre. les tons. Bien qu’elle s’en tient à une seule couleur, l’effet est tout sauf monotone. Les lignes sinueuses forment des vagues et des motifs qui se déploient le long des murs du musée, semblant presque bouger. Stéphane Aquin, commissaire d’exposition, a déclaré: «Elle danse avec le bâtiment. Son art se marie à merveille avec l'architecture. Elle révèle le mouvement inhérent au bâtiment. "
Meyers, artiste basée à Washington, DC, crée à la fois des œuvres d'art individuelles dans son atelier et des installations spécifiques telles que celle du Hirshhorn (d'autres installations ont déjà été exposées au Hammer Museum de Los Angeles et à la Phillips Collection de Washington, DC). Meyers explique que lorsqu'elle crée une pièce dans un environnement particulier, elle doit naturellement prêter attention au bâtiment, à l'espace qui abritera son travail: «L'une des premières questions que je me pose est la suivante:« Comment puis-je bien aborder la bizarreries de l'architecture? ”
La principale particularité du Hirshhorn, en forme de beignet, est que les visiteurs du musée, les spectateurs de l'installation de Meyers, suivront le passage intérieur circulaire. «L'espace exigeait que je crée une pièce qui s'enroule autour de l'espace, du chemin emprunté par les visiteurs à travers le musée», explique-t-elle.
Meyers a utilisé une combinaison de précision extrême et de chance totale de créer Our View From Here . (Musée et jardin de sculptures Hirshhorn) «Et puis, il y a des pauses dans tout l'espace: portes, entrées de galeries. Dans l'espace ou l'architecture préexistant, il y a toujours quelque chose qui devient un défi. Je ne le dis pas de manière négative. Un défi peut provoquer une nouvelle approche de la manière dont une pièce évoluerait. Donc dans ce cas, c'est la façon dont le cercle de la galerie est divisé en huit parties. Et ces ouvertures ne sont pas toujours ouvertes. Parfois, l’espace est modifié pour une exposition et une partie de l’espace est fermée. Ma pièce va se chevaucher avec trois spectacles différents, et l'espace changera pour chaque spectacle. Je devais penser à ça. C'est nouveau. Je n'ai jamais eu d'espace de galerie dynamique auparavant. "
La première étape de Meyers consistait à créer des dessins préparatoires, à l'échelle du quart de pouce. Ensuite, les membres du personnel de Hirshhorn ont utilisé un logiciel de CAO (conception assistée par ordinateur) pour tracer un cadre - les cercles des dessins de Meyers - directement sur les murs du musée. Meyers s'est ensuite mise au travail avec son stylo graffiti de marque Molotow, laissant sa main aller où elle le voudrait. C’est là que le hasard et la coïncidence entrent en jeu.
«Tout le mouvement que vous voyez dans ces dessins est simplement le résultat du processus», explique-t-elle. «Cela évolue, les lignes ne sont pas planifiées. Mais les compositions sont prévues. C'est un jeu entre l'intention et l'inattendu. La géométrie est tracée à l’avance dans mes travaux préparatoires. Lorsque je commençais une section, je dessinais un cercle. C'est le plan, le prévu. Après ce point, chaque ligne répond à la ligne précédente, une sorte d'entropie indépendante de ma volonté. Donc: à la fois prévu et non prévu. Une belle métaphore de la vie! "
Meyers a utilisé un marqueur épais, préféré des graffeurs, pour recouvrir les murs de deux tons neutres. (Musée et jardin de sculptures Hirshhorn) La couleur de choix de Meyers pour ce projet était un gris bleu appelé gris de Payne. Parce que l'artiste a dilué la couleur à différents degrés, elle a pu obtenir différentes densités de couleur tout au long du travail.
Lorsque les spectateurs marchent autour de la rotonde, ils peuvent voir que la ligne du marqueur est parfois si pâle que c’est juste un murmure, tandis que d’autres fois, elle s’épaissit pour devenir une tache et, ailleurs, l’effet est tacheté. Dans certaines parties de l'installation, de nombreux espaces muraux n'ont pas été utilisés, mais d'autres sections sont remplies de lignes ondulantes encombrées.
Meyers s'est rendu compte que ses premières sections résultaient de toute l'énergie qu'elle avait accumulée en réfléchissant au projet et en le planifiant: «Les deux premiers murs que j'ai construits sont différents de ceux des derniers. Au début, j'étais impatient d'y aller: tous ces mois de préparation et d'anticipation. La marque est plus agressive. J'ai en quelque sorte attaqué les murs! »Mais à la fin, lorsqu'elle a laissé plus de murs se vider, elle a remarqué« une sorte de légèreté ».
"Son art se marie à merveille avec l'architecture", explique le conservateur Stéphane Aquin. (Musée et jardin de sculptures Hirshhorn) En raison des dimensions circulaires de la rotonde, les téléspectateurs ne sont pas en mesure de voir l'intégralité de la pièce en une fois. Ce n'est tout simplement pas possible. Et cela affecte la façon dont ils perçoivent le travail. C'était pareil pour Meyers. «J'avais cette vision de ce à quoi tout cela ressemblerait, mais ce n'est pas comme en studio où mon œil peut passer d'une pièce à l'autre. En studio, je fais des œuvres d'art discrètes et vous pouvez vous tenir devant elles. Avec cela, vous ne pouvez pas physiquement. Je pouvais voir la section que j'avais terminée, par exemple, mais pas la section sur laquelle je travaillais. Vous ne pouvez pas en regarder un quart à la fois, au même endroit.
Une telle entreprise de mammouth nécessitait une concentration de mammouth. Meyers, qui se rend habituellement dans son studio tous les jours et travaille sur plusieurs pièces à la fois, ne fait rien non plus.
«Cela faisait très longtemps que je n’étais pas dans mon studio», dit-elle. «Je n'ai rien fait d'autre. C'était bon. Notre façon effrénée d'exister dans le temps, des médias sociaux aux levées et achats d'épicerie en passant par le téléphone, est notre façon de vivre. Mais avec cela, se concentrer sur une chose - c’était une chose tellement merveilleuse de voir des progrès chaque jour. Pendant des heures, je n'ai pas vraiment levé la tête. »Alors qu'elle travaillait au musée dans son état hyper-concentré, le personnel du musée ou le conservateur, Stéphane Aquin, s'approchait d'elle, essayait de lui parler et elle ne les remarquait même pas. «Je serais tellement concentré. Je devais mettre mes œillères. C'est quelque chose que nous ne pouvons tout simplement pas faire.
Peut-être parce que la photo de Meyer est exposée à la réception du musée ou peut-être à cause de l'autorité discrète dont elle se dégage en parcourant l'installation finie, les téléspectateurs ont le sentiment qu'elle est l'artiste. Ils veulent parler, la complimenter, lui poser des questions, même poser pour des photos au téléphone. Meyers saisit pour expliquer sa nouvelle mini-célébrité. «Il y a un élément de mystère dans ce qui se passe dans le studio, d'où vient le travail. Ce n'est pas que je puisse distiller tous ces éléments pour les gens, mais ils peuvent voir à quel point c'est simple: je dessine une ligne, puis une autre. ”
"Linn Meyers: Notre point de vue d'ici" est à l'affiche au musée et au jardin de sculptures Hirshhorn jusqu'au 14 mai 2017 à Washington, DC Le 25, à 6h30 dans l'auditorium du musée. Il est gratuit et ouvert au public.
MISE À JOUR DU 25/05/2016: Une version précédente de cette histoire indiquait que c'était l'artiste qui travaillait avec un programme de CAO. Elle n'a pas. Les membres du personnel du musée ont utilisé ce processus. Nous regrettons l'erreur.
