Lorsque le photographe Camilo José Vergara, d'origine chilienne, a attiré l'attention pour la première fois en 1978, il s'agissait de l'un des derniers vestiges du vieil Harlem: le Purple Manor Jazz Club, doté de vitres distinctives ondulées et peint en conséquence.
Mais pendant près de quatre décennies au cours desquelles il continua de photographier la devanture du 65 East 125th Street à Harlem, parfois plusieurs fois par an, Vergara le vit se transformer en plus d'une douzaine d'incarnations différentes - un microcosme des changements rapides du quartier.
Comme le montre dramatiquement plus de 21 tirages dans la nouvelle exposition intitulée "Down These Mean Streets: communauté et place dans la photographie urbaine" du Smithsonian American Art Museum, l'établissement a été divisé en deux façades en 1980, dont un seul fenêtres distinctives. L'autre était devenu un magasin de poisson-frites.
Bientôt cela a disparu, remplacé par un magasin de variétés à prix réduit en 1981, les fenêtres ondulées sur la droite ont complètement disparu. Avant la fin de cette décennie, la vitrine de gauche était un bureau, puis un magasin d’armoires de cuisine, tandis que le côté droit devenait un magasin de tabac ouvert 24h / 24, qui avait réussi à tenir pendant près de 10 ans.
Pendant ce temps, le côté gauche était une boutique unisexe marquée de graffitis transformée en arrêt de la beauté, puis un magasin de vêtements qui a marqué l'année en cours (2001). Puis l’échafaudage s’est élevé et c’était un autre showroom générique de matelas urbains. Ça n'a pas duré; Les images les plus récentes de la série l'ont transformée en une église de magasin universelle.
«En parcourant les photographies, explique E. Carmen Ramos, conservatrice de l’art latino au musée, nous constatons la lente érosion de l’histoire et l’ingéniosité des résidents et des propriétaires d’entreprises qui gèrent des ressources limitées pendant la période de l’année. la crise urbaine. "
La «crise urbaine» - une période au cours de laquelle les industries manufacturières américaines se sont effondrées, les Blancs ont déménagé et la pauvreté a proliféré pour ceux qui ont été abandonnés depuis les années 1960 - occupe une place prépondérante dans l'exposition de dix photographes, chacun documentant à sa manière la transformation des villes américaines dans la seconde moitié du 20ème siècle.
Une autre série de l'exposition, Public Transit Areas, d'Anthony Hernandez, souligne les conséquences de l'autre côté du pays, à Long Beach, en Californie, où huit personnes laissées pour compte par la culture en plein essor des voitures et des autoroutes se rencontrent. Impressions en noir et blanc de plusieurs centimètres, attendant apparemment aux arrêts de bus le long de larges rues urbaines en grande partie vides. Quelles voitures y at-il de la vitesse dans un flou.
«Vous commencez à voir combien de fois les personnes qui attendent le bus ont tendance à être des personnes plus âgées, des Afro-Américains ou des Latinos», explique Ramos. "Une chose que vous ne voyez jamais dans cette série, ce sont les bus."
Alors que certains voient des paysages urbains sombres, certains artistes ont cependant imaginé ce qu’ils pourraient être.
Ruben Ochoa crée une grande impression lenticulaire qui semble se déplacer en marchant vers elle. Elle élimine une partie du mur de l’Interstate 10 qui traverse l’est de Los Angeles et révèle une partie de la végétation luxuriante qu’elle a éliminée.
L’artiste Manuel Acevedo, né à Newark dans le New Jersey, offre des possibilités similaires pour les sites urbains oubliés. Il esquisse les ossements de structures possibles issues de terrains autrement vides.
«Ce que je voulais faire, c'était créer ces propositions fictives pour ces interventions», déclare Acevedo. Il les dessine sur son empreinte originale, les photographie à nouveau et les gonfle à une taille quelque peu héroïque, comme l'imprimé 40 x 60 po d'un coin abominable à Newark.
Deux de ses propositions dessinées pour un terrain vide à Harford suggèrent un bâtiment ou un stade; une autre ressemble plus à une clôture séparant les flèches luisantes du centre-ville de ses étendues moins fortunées.
Certains s’attendraient à voir les paysages urbains sombres du South Bronx dans un tel spectacle, et quelques-uns y sont présents, mais les œuvres d’Oscar R. Castillo montrent des organisations communautaires dynamiques au service des quartiers, tout comme les œuvres de Perla de Leon. Dans ses œuvres et dans celles de nombreux photographes qui se concentrent sur le portrait des résidents, c’est la joie et la joie des enfants de créer leur propre paysage de jeu en se servant de leur imagination.
Comme le titre le titre, tiré du mémoire de Piri Thomas, Down These Mean Streets (1967), l'indique, une partie de cette chaussée peut être difficile. Mais pour les enfants, ce sont des terrains de jeu de tous les jours. Bien sûr, ils jouent devant les jets d’été de bouches d’incendie sur les prises de vue de Hiram Maristany, mais leurs rues sont remplies de craie de marelle, pas de symboles de gangs. Winston Vargas met en lumière les personnalités audacieuses des jeunes de Washington Heights à New York, ainsi que des mariages. Frank Espada, dans certaines des premières impressions de la série, 1963, fait sourire les enfants.
Le peintre John M. Valadez met en exergue la fierté, la perspicacité et le sens de la mode de sa série de portraits dans les années 1970 intitulée East Los Angeles Urban Portrait Portfolio, qui se démarque également par sa couleur plutôt que par son noir et blanc.
«Le Smithsonian American Art Museum possède l'une des plus grandes collections d'art latino d'un grand musée d'art», déclare Ramos. Et presque toutes les 97 œuvres du spectacle sont extraites de sa collection, achetée dans le pool d’initiatives du Smithsonian Latino, géré par le Centre Smithsonian Latino.
Le musée continue également d'acquérir de l'art latino et ajoutera à ses collections, par exemple, tout ajout futur à la série 65 East 125th Street de Vergara, relatant les modifications futures apportées à cette vitrine aussi longtemps que le photographe la surveillera. Le musée possède déjà 26 images de la série. L’exposition ne peut en contenir que 21.
Pour des artistes comme Acevedo, la révélation de l'exposition a été de voir combien de photographes étaient présents au même moment, racontant leurs communautés de manière raconte, ignorant que d'autres le faisaient également.
«Ayant tous ces éléments, ils se parlent», explique Acevedo à propos des différentes approches présentées. «Je ne connaissais aucun de ces photographes à l'époque où ils travaillaient. Les artistes des années 1970 travaillaient tous de la même manière dans différents quartiers - il n'y avait pas de véritables références.
«C’est la première fois que vous pouvez venir à un spectacle, je pense, et vous pouvez vraiment le conceptualiser. Vous pouvez parler de ces nombreuses décennies, de leurs liens et de leurs intérêts. "
"Dans ces rues méchantes: communauté et lieux de la photographie urbaine" se poursuivront jusqu'au 6 août au Smithsonian American Art Museum de Washington, DC
