Les musées interdisent généralement aux visiteurs de toucher à des œuvres d'art - sans parler de sanctionner le fait de coller des épingles à un artiste, de lui couper ses vêtements ou de lui couper le cou avec un couteau dans le cadre d'un spectacle.
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Mais c’est précisément ce que certains membres du public ont fait à Marina Abramović lors de son travail emblématique de 1974, Rhythm O , qui s’est avéré être une expérience effrayante en psychologie des foules. Dans une galerie de Naples, en Italie, Abramović a placé 72 objets sur une table, notamment des épingles, des aiguilles, un marteau, un couteau, une balle et un fusil. Elle a invité les téléspectateurs à faire ce qu’ils désiraient avec n’importe quel élément, donnant au public six heures de contrôle physique complet sur elle. Comme expliqué dans les instructions de la galerie, l’artiste était l’objet. À un moment donné, quelqu'un a chargé le pistolet et l'a placé dans la main d'Abramovic, l'a déplacé vers sa clavicule et a touché la gâchette.
Lorsque le spectacle a finalement pris fin, selon ses prochains mémoires, Walk Through Walls, une Abramović battue titubait dans sa chambre d'hôtel, l'air «comme si de rien n'était», à moitié nue et saignante - «se sentir plus seule qu'elle [l'avait ressenti]. depuis longtemps. »Mais, comme elle le dit aux lecteurs, Rhythm 0 résume les quatre prochaines décennies de son travail: mettre en scène la peur universelle que nous avons tous de la souffrance et de la mortalité pour« se libérer », elle-même et le public, en utilisant« leur énergie »pour son corps aussi loin que possible.
Promenade à travers les murs: un mémoire
Un travail remarquable de performance à part entière, Walk Through Walls est un rendu vivant et puissant de la vie sans précédent d'un artiste extraordinaire.
AcheterWall Through Walls retrace la vie de Marina, depuis sa petite enfance sous le régime de Tito dans la Yougoslavie après la Seconde Guerre mondiale, jusqu'à sa collaboration avec la maison de couture Givenchy pour son défilé 2015 à New York, la ville qu'elle appelle maintenant à la maison. Né en 1946, Abramović a débuté en tant que peintre à l'Académie des beaux-arts de Belgrade, mais s'intéressait plus profondément à un travail plus conceptuel. Marina a proposé sa première performance solo, Come Wash With Me, au Centre de la jeunesse de Belgrade en 1969, où elle prévoyait d'installer des éviers pour la lessive, invitant les visiteurs à enlever leurs vêtements pour pouvoir les laver, les sécher et les repasser. Le Centre a rejeté l’idée, mais elle s’en est tenu à son incursion officielle dans l’art de la performance, une série d’installations audio au début des années 1970.
Tandis que le livre aborde des sujets qui ont fait l’objet de foulées, Abramović propose quelques anecdotes d’initiés que les lecteurs devraient rechercher avec plaisir (spoiler: le contrôle de la miction est un problème lorsque Abramović planifie des morceaux). Les moments les plus forts du mémoire surviennent au moment où Abramvoic partage les détails les plus intimes des chagrins d'amour romantiques qu'elle a subis. Marina ne craque rien pour les hommes qu'elle a aimés et l'artiste se sent plus présente que jamais.
Reconnue comme une pionnière, Marina est souvent surnommée la grand-mère de la performance. «Elle a exercé une grande influence», déclare Stephan Aquiné, conservateur en chef du Hirshhorn Museum and Sculpture Garden du Smithsonian. «L'une de ses plus grandes influences est sa révélation de la façon dont le temps transforme des gestes simples en événements profondément significatifs et émouvants.» C’est une chose de faire une certaine action pendant quelques minutes, explique-t-il. Mais lorsque Marina soutient ou répète une activité pendant une longue période, son endurance transforme la relation entre l'artiste et le spectateur en quelque chose de plus viscéral et intense.
C'est un médium qui peut toutefois se sentir théâtral et affecté, en particulier pour ceux qui sont déjà sceptiques à propos de l'art contemporain. Dans le monde de l'art, le critique Jerry Saltz a qualifié les œuvres d'Abramović de "limites masochistes". À l'occasion, Marina elle-même a brouillé la ligne de démarcation entre son travail et d'autres démonstrations d'endurance dramatiques. Dans le documentaire de 2012, The Artist is Present, son galeriste, Sean Kelly, décrit une idée de performance conjointe que David Blaine a proposée à Marina pour sa rétrospective sur le MoMA. Blaine, explique Kelly, est trop piétonne. Il pratique la magie - alors qu’elle habite les plus hauts échelons du monde de l’art. Mais le regard d'Abramovic sur Blaine - qu'on appelle souvent artiste d'endurance - soulève la question suivante: pourquoi les exploits de force d'Abramović obtiennent-ils l'imprimatur de l'art élevé? Après tout, Blaine se soumet à des contraintes physiques et mentales extrêmes, alors qu’il est «enterré vivant» dans un cercueil en plexiglas pendant une semaine ou dans un bloc de glace pendant 63 heures. Marina a mis nue sur une croix en blocs de glace lors de l'une de ses représentations.
Comme le dit un écrivain de l' Atlantique, l'art de Marina réside à tout le moins «au confluent du théâtre, de la spiritualité et du masochisme». Quelques exemples de sa carrière prolifique: Abramović lui a sculpté une étoile à cinq branches avec une lame de rasoir. pour Thomas Lips . Elle rampa autour du sol de la galerie avec un grand python en trois . Elle s’est assise nue devant un auditoire et a brossé ses cheveux jusqu’au point de douleur, tirant sur des masses pour Art Must Be Beautiful, Artiste Must Be Beautiful .
Et bien sûr, dans ce que beaucoup considèrent comme sa plus grande réalisation, elle est restée assise pendant 700 mois, pendant trois mois, sur une chaise en bois, silencieuse, à regarder les visiteurs, une par une dans The Artist Is Present . L'émission a attiré plus de 750 000 visiteurs au MoMa et a ému les larmes aux yeux de nombreux téléspectateurs. Il y a même une tumblr, Marina Abramović m'a fait pleurer. Suzanne Dikker, une neuroscientifique cognitive de l'Université de New York, était tellement intriguée par le phénomène qu'elle a collaboré avec Abramović à un projet de recherche intitulé «Mesurer la magie du regard mutuel». Deux personnes portant des casques EEG portables se regardent l'une l'autre. 30 minutes (un peu comme le spectacle), afin que Dikker puisse mesurer où leurs ondes cérébrales se synchronisent.
Au cours des dix dernières années environ, Abramović a adopté une tendance plus dominante, considérée par ses critiques comme un argument de poids pour avoir tenté de tirer profit de sa notoriété. C'est un peu un Catch-22. Son travail récent manque du sang et de la nudité qui ont contribué à en faire un débutant plus avant, mais Abramović, «la marque», est certainement plus omniprésent dans la culture populaire. Sa performance de 2002, The House with the Ocean View (mon préféré parmi ses œuvres), a été méticuleusement parodiée dix mois plus tard dans «Sex and the City». Carrie Bradshaw visite une galerie où un artiste vit sur une plate-forme surélevée; la seule sortie est un ensemble d'échelles à couteaux. Comme Marina, l’artiste ne parle pas et ne mange pas pendant 16 jours, dans le but de changer son propre «champ d’énergie», celui de la pièce et peut-être même celui du monde (la performance de Marina a duré 12 ans et son mémoire ne mentionne jamais House with the Ocean View parle de «le monde»).
En 2013, pour renforcer son statut omniprésent, Jay Z adapte The Artist Is Present à son clip «Picasso Baby». Filmé dans une galerie typique de Chelsea, le rappeur et le rappeur dansent, se regardant fixement. En échange de son matériel, Jay Z aurait apparemment accepté de faire un don à son institut situé à Hudson, dans l'État de New York, où elle envisage d'enseigner la «méthode Abramović». Elle décrit cette méthode dans son Ted Talk comme une prise de conscience et une capacité de vivre dans l'instant - ce que tout le monde appelle l' attention .
Branislav Jakovljevic, professeur de théorie de la performance au département de théâtre et d'études sur la performance de Stanford, constate une différence frappante entre le théâtre et l'art, comme celui de Marina. Il explique que le théâtre est représentationnel mais Abramović est profondément présentation. «Ce que vous voyez se passe réellement», dit-il. "Il n'y a pas d'illusions ni de questions sur la façon dont elle fait quelque chose." De plus, le public d'Abramović participe en se soumettant à tout ce qui pourrait arriver, a-t-il dit, beaucoup de la façon dont elle le fait. Une illustration intense, même pour Marina: dans Rhythm 5, l’artiste gisait à l’intérieur d’une étoile en bois enflammée et perdait conscience au moment où le feu consumait l’oxygène autour de sa tête. C'était un téléspectateur qui l'avait conduite à la sécurité.
«Le masochisme implique des douleurs et des souffrances motivées inconsciemment», explique le Dr Robert Glick, professeur de psychiatrie clinique au Columbia College of Physicians and Surgeons et ancien directeur du Centre de formation et de recherche en psychanalyse de l'université. «Par conséquent, dit-il, tout ce qui implique de la souffrance n'est pas du masochisme.» Oui, Marina Abramović s'inflige une douleur, mais constitue une forme de communication délibérée et un impact sur son public. Glick compare les activités de Marina Abramović à des personnes qui participent à des grèves de la faim en guise de protestation. Marina passe des mois ou des années à planifier ses prestations et il fait remarquer que cela traduit plus une forme d'ambition créatrice qu'une pulsion masochiste.
En fait, il y a une scène poignante dans ses mémoires, où sa relation avec Ulay («le dieu père de la performance», professionnelle et partenaire de vie de Marina depuis 12 ans) se détériore terriblement. Au cours d'un combat, Ulay frappe son visage pour la première fois - dans la "vraie vie" - par opposition à une performance, telle que Light / Dark, où les deux hommes ont échangé de violentes gifles pendant 20 minutes. Et pour Marina, la frontière entre la vie et l’art avait été irrévocablement franchie.
Son autobiographie ne changera probablement rien à l'esprit du pouvoir de la performance. Les personnes qui trouvent que ses efforts ou le genre entier sont aliénants et artificiels auront probablement le même sentiment après Walk Through Walls . Mais pour ceux qui croient que son approche exténuante en fait une visionnaire, le mémoire révèle une femme sensible, ferme - parfois étonnamment banale - qui peut pousser son corps et son esprit au-delà de tous nos niveaux de peur et d'épuisement au nom de l'art.
Jacoba Urist est un écrivain spécialisé dans l'art et la culture à New York.
