À New York, une nouvelle exposition du George Gustav Heye Center du American Indian Museum s'intitule de manière intrigante "HIDE: la peau en tant que matériau et métaphore ".
Dans le spectacle, "peau" est à la fois celle de la chair humaine et animale et s'avère non seulement être un sujet, mais en tant que peau d'animal, elle devient la matière ou la toile pour les œuvres. Enfin, la peau sert également d’allégorie aux difficultés et aux luttes - et à la capacité de les surmonter - dans les communautés autochtones, passées et présentes.
"Pour les autochtones", écrit la conservatrice Kathleen Ash-Milby, dans l'exposition en ligne, "notre propre peau fonctionne comme une toile sur laquelle nous pouvons écrire des messages sur notre identité ou qui peut servir de bouclier pour protéger et cacher nos secrets., la peau ou la peau d’un animal a une longue histoire dans la culture autochtone. C’est un rappel symbolique de la déformation historique, de l’exploitation et de la politique raciale. "
Les pièces de la série sont un défi et résonnent avec une honnêteté brutale qui laisse le spectateur avec un sentiment d'inquiétude et une quête intellectuelle pour plus. La partie I de cette émission en deux parties présente les œuvres sur supports mixtes des artistes autochtones Sonya Kelliher-Combs et Nadia Myre. Les deux femmes documentent leurs propres batailles personnelles avec des détails sans faille.
Sonya Kelliher-Combs, née en Alaska, crée des pièces sculpturales à base de fourrure animale, de peaux, de tendons et de tissus d'organes internes, des matériaux considérés comme sacrés aux modes de vie des tribus arctiques et subarctiques. Dans sa partie de l'exposition intitulée " Skin Secrets ", l'artiste Inupiaq / Athabaskan utilise des médias à la fois organiques et artificiels dans son exploration de l'extérieur et de l'intérieur. En un seul morceau, une petite armée de sachets vides en peau de mouton et de renne, alignés sous forme de régiment. Selon le texte de l’exposition, ils ont la forme d’un ancien vase, mais ce sont des récipients vides dans lesquels l’artiste se débat avec "des secrets indicibles ou forcés de se cacher".
La présentation de Nadia Myre, "Scar Tissue ", confronte les traumatismes cachés et redéfinit la cicatrice en tant que symbole de guérison et de force plutôt que de défiguration et de perte. Une série de ses œuvres, intitulée "Scarscarpes", associe une imagerie graphique audacieuse à des œuvres perlées tissées sur un métier à tisser et à des estampes de son héritage anishinaabe pour créer une célébration décorative, historique et personnelle de la guérison des blessures. Dans ces pièces, les cicatrices laides sont rendues belles, faisant partie d'un paysage global et d'une matrice d'expérience et de croissance personnelle.
Ces deux femmes racontent des histoires de difficultés, d’isolement et de force personnelle stupéfiante. Entre leurs mains, une nouvelle beauté se pose contre la quête cosmétique clichée d'une peau sans rides, sans paupières et sans défaut - et emballe plus de signification dans une vieille maxime, "la beauté n'est que superficielle".
HIDE: La peau en tant que matériau et métaphore, la première partie est ouverte au Centre George Gutav Heye. La deuxième partie, mettant en vedette les œuvres de Michael Belmore, d'Arthur Renwick, de KC Adams, de Terrance Houle, de Rosalie Favell et de Sarah Sense, débute le 4 septembre.
