Des boas en métal qui s'enroulent comme une sculpture autour du cou du porteur; des robes en dentelle et en élan qui iraient parfaitement dans une discothèque chic; Les t-shirts inspirés des graffitis qui intègrent les images Apache ne sont qu'un début. Quoi que l’on présume d’être au sujet de la mode et des styles vestimentaires créés par les créateurs amérindiens, les attentes seront probablement dépassées lors d’une nouvelle exposition-vitrine présentée au Musée national des Amérindiens du Smithsonian, à New York.
Intitulé «Native Fashion Now», le spectacle met en vedette 67 créateurs des États-Unis et du Canada, et ce, depuis les années 1950 jusqu'à aujourd'hui. Ces créateurs vont des grands noms de la mode aux créateurs en passant par les célébrités et les stars du cinéma, en passant par les artistes expérimentaux qui utilisent les vêtements comme moyen de se faire remarquer. La diversité des styles offre un sens profond des nombreux thèmes culturels, artistiques et politiques qui émergent des communautés autochtones - et ce, de par leur conception.
«Nous voulions amener le public à un niveau de compréhension plus profond et plus large et célébrer réellement cette multiplicité de voix», a déclaré Karen Kramer, conservatrice de l'art et de la culture amérindienne et océanique au Peabody Essex Museum de Salem, dans le Massachusetts, l'organisation qui a initialement développé le spectacle. Le spectacle a déjà visité trois autres musées avant son ouverture au Musée national des Amérindiens. «Nous voulions nous éloigner d'un objectif anthropologique et mettre vraiment l'accent sur les artistes - ou l'agence des artistes dans leur voix créative."
À cette fin, Kramer a consciemment œuvré pour faire appel à des designers et à des œuvres reflétant un large éventail d'approches de la mode et équilibrant la représentation géographique et la parité hommes-femmes du spectacle. Dès leur entrée, les visiteurs verront les œuvres de designers qui ont pénétré dans le grand public, et les lecteurs de blogs et de magazines de mode sont probablement déjà au courant de leurs offres: un parasol en forme de fleur en peau, perles et métal, de Patricia Michaels, d'abord finaliste de la saison 11 de "Project Runway"; ou encore des robes en coton sérigraphiées du designer Cherokee Lloyd «Kiva» New - le premier designer autochtone à avoir lancé avec succès une marque de mode haut de gamme internationale (Kiva, référence à une structure religieuse autochtone du Sud-Ouest).
Ces œuvres sont regroupées dans la section «Pathbreakers» du défilé - des créateurs qui ont connu du succès sur les défilés de défilés de mode ou qui habillent des célébrités (notamment Betty Ford et Lucille Ball, dont les robes sont exposées ici).
«Cette section est un point d’entrée pour la plupart des gens, avec des artistes qui ont acquis une certaine visibilité dans le grand public», explique Kathleen Ash-Milby, conservatrice adjointe du musée, qui a organisé la présentation du spectacle à New York. Ash-Milby insiste sur le fait que «ce n'est pas rigide, mais aide à transmettre certains des principaux traits de la mode autochtone.
The Guardian - Bringer of Thunder, Foudre et Pluie par Orlando Dugi (Diné [Navajo]) et Troy Sice (Zuni), sac à main, 2013; Bois de wapiti, cuir stingray, plumes de perroquet, fourrure de lynx roux, rubis, coquillage, perles de verre et argent sterling (Avec la permission des artistes) 
T-shirt Columbus amérindien découvert par Jared Yazzie (Diné [Navajo]) pour OxDx, 2012, coton (Musée Peabody Essex, Salem, Massachusetts, cadeau de Karen Kramer, photographie de Thosh Collins) 
Dent florale de wapiti Old Time par Bethany Yellowtail (Apsáalooke [Crow] et Northern Cheyenne) pour B limande à queue jaune, collection «Apsáalooke», 2014, dentelle, applications en cuir et dents de wapiti (Musée Peabody Essex, achat au musée, photographie de Thosh Collins) 
Corset et jupe de Dallin Maybee (Northern Arapaho et Seneca) et Laura Sheppherd, 2010, soie, coton et acier; silk shantung (Portland Art Museum, achat avec des fonds fournis par un donateur anonyme, photographie de Valerie Santagto) 
Bottes de Jamie Okuma (Luiseño et Shoshone-Bannock), 2013-2014. Perles de verre sur des bottes conçues par Christian Louboutin (français). (Musée Peabody Essex, commande de Katrina Carye, John Curuby, Karen Keane et Dan Elias, Cynthia Gardner, Merry Glosband et Steve et Ellen Hoffman © 2015 Musée Peabody Essex, photographie de Walter Silver) 
Bracelet de Mike Bird-Romero (Ohkay Owingeh [San Juan] et Pueblos de Taos) et Eddie Begay (Diné [Navajo]), 2000–10, argent sterling, huître épineuse, coquille d'ormeau, turquoise, turquoise, jais et onyx. (Avec la permission de Catherine B. Wygant © 2015, Musée Peabody Essex, photographie de Walter Silver) 
Bracelet de Mike Bird-Romero (Ohkay Owingeh [San Juan] et Pueblos de Taos), et Ray Adakai et Alice Shay (Diné), 2000–10, argent sterling, huître épineuse, coquille d'ormeau, turquoise, jais et onyx (Avec la permission de Catherine B Wygant © 2015 Musée Peabody Essex, photographie de Walter Silver) 
Tunique Chilkat par Alano Edzerza (Tahltan), 2013 Coton. (Musée Peabody Essex, don de Karen Kramer, © 2015 Musée Peabody Essex, photographie de Thosh Collins) 
La cape et le bonnet The Messenger (The Owl), de la collection Mahotan de Margaret Roach Wheeler (Chickasaw) pour Mahota Handwovens, 2014, fils de laine de soie; fil de laine de soie, métal, argent, perles de verre et plumes de paon (Portland Art Museum, achat avec des fonds fournis par un donateur anonyme, photographie de Greg Hall) 
La cape et le bonnet The Messenger (The Owl), de la collection Mahotan de Margaret Roach Wheeler (Chickasaw) pour Mahota Handwovens, 2014, fils de laine de soie; fil de laine de soie, métal, argent, perles de verre et plumes de paon (Portland Art Museum, achat avec des fonds fournis par un donateur anonyme, photographie de Greg Hall) 
Boa postmoderne de David Gaussoin et Wayne Nez Gaussoin (Diné [Navajo]) et Picuris Pueblo, 2009, acier inoxydable, argent sterling, peinture émail et plumes (Peabody Essex Museum, photographie de David Gaussoin et du Musée des arts et de la culture indiens, modèle : Tazbah Gaussoin) 
Cuirasse Stingray, Collection «Shokmalli '» de Kristen Dorsey (Chickasaw), 2013-2014, argent sterling, cuir Stingray, larimar, cuivre et laiton (Courtoisie de la photographie de l'artiste par Carly Street) 
Robe, cape et coiffe d'Orlando Dugi (Diné [Navajo]), collection «Desert Heat», 2012, soie, organza, plumes, perles et or 24k; plumes et piquants de porc-épic; plumes, perles et argent (© 2015 Peabody Essex Museum, photographie de Thosh Collins, modèle: Louisa Belian) "Revisitors" met l'accent sur les artistes qui intègrent les traditions, les matériaux et les styles autochtones à leurs œuvres contemporaines, "s'inspirant directement de la culture et des conventions autochtones", a déclaré Ash-Milby.
Il s'agit notamment de la robe en dentelle et en dent de wapiti, conçue par Bethany Yellowtail, créatrice de Crow et du Northern Cheyenne. La créatrice s’inspire de vêtements en perles et d’autres objets de la famille, qui incluent une ligne de dents de wapiti le long des manches et de la poitrine, ainsi que des appliques florales en cuir. De plus, voici un parapluie en peau de cerf décoré d'images imagées d'hommes à cheval et d'autres actions. Il vient de Teri Greeves, une designer de Kiowa basée à Santa Fe, faisant référence à la tradition des histoires illustrées des Plaines.
«Je me rendais sur le marché indien de Santa Fe et je ne cessais de remarquer cette prolifération de la mode autochtone contemporaine, et le marché indien lui-même évoluait vers une vision plus large de la mode autochtone contemporaine», explique Kramer, décrivant l'élargissement de la portée de la série. comme elle a cherché des artistes à inclure.
Mode autochtone maintenant: le style indien nord-américain
Célébrant le design des Amérindiens comme une force importante dans le monde de la mode contemporaine, ce livre présente des looks magnifiques, novateurs et surprenants d'artistes autochtones. La mode américaine traditionnelle a toujours été influencée par le design amérindien, car les artistes autochtones ont toujours créé leurs propres vêtements, bijoux et accessoires.
AcheterEn plus de sa propre recherche de créateurs, elle s’est appuyée sur les conseils d’un groupe de conseillers qui ont contribué à façonner la composition et à créer des liens avec des créateurs avec lesquels elle n’avait peut-être pas autant d’expérience. Parmi leurs sélections, citons les vêtements de rue, les t-shirts et même les planches à roulettes de nombreux artistes originaires des communautés Apache, Navajo, Tlingit et Athabascan.
Ces œuvres font partie du groupe «Activators», qui reconnaît les artistes qui expriment leur identité et leurs idées politiques par le biais de leurs créations. Le costume trois pièces de Tommy Joseph au motif aigle fait référence à son groupe de clans Tlingit et au parka et au chapeau de Winifred Nungak, doublés de fourrure de renard et teints en rose, incorporant des motifs spécifiques aux tribus des artistes, mais avec une sensibilité de rue.
«Les objets ont commencé à se parler, et il est devenu évident de voir comment le spectacle pourrait être organisé, sinon chronologiquement, par thème d'idée», explique Kramer. "Ils ont presque trié eux-mêmes."
«Provocateurs» est le plus explicitement politique et expérimental. «C’est presque comme si cette urgence se préparait», déclare Kramer. «Genre, réveille-toi. Cela se passe. Vraiment, il y a beaucoup d'énergie dedans et d'excitation autour de ça. "
Une chemise en coton signée Carla Hemlock présente le traité de Canandaigua de 1794 cousu dans le dos - un document exigeant que le gouvernement des États-Unis verse chaque année des marchandises à la Confédération iroquoise et qui est toujours en vigueur. Une robe en vinyle noir, de l'artiste Wendy Red Star du Crow, aux longues franges qui traînent sur le sol, évoque des gouttes d'huile ou de sang. Plus de sculpture que de vêtement pratique, l'œuvre met en lumière l'exploitation des ressources naturelles sur les terres autochtones.
«C'est tellement frappant, et cela vous fait vraiment douter de la viabilité de le porter et du genre de déclaration que vous faites», déclare Kramer. «Cette exposition est une occasion très importante pour les designers et les artistes autochtones de définir eux-mêmes ce qu'est la mode et l'art autochtone, plutôt que de créer un marché traditionnel largement façonné par des non-autochtones qui utilisent un style, une conception et un style d'inspiration autochtone. motifs pour nourrir en quelque sorte le grand public des idées sur ce qu'est la mode autochtone ».
"Native Fashion Now" est visible jusqu'au 4 septembre 2017 au Musée national des Indiens d'Amérique à New York, situé dans la douane américaine Alexander Hamilton, One Bowling Green, à New York, à New York, 10004.
