Toutes les remarques avaient été faites et remerciés lors de la récente réception d'ouverture de la nouvelle exposition du Smithsonian American Art Museum intitulée «Crosscurrents: l'art moderne issu de la collection Sam Rose et Julie Walters». Ensuite, Rose et Walters ont indiqué qu'ils avaient enfin une dernière chose à faire. à annoncer: Ils offraient Agricola IV de David Smith de 1952 au musée.
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Virginia Mecklenburg, la conservatrice en chef du musée qui recherchait depuis 25 ans une œuvre clé de la collection Smith, était sans voix. «Lorsqu'elles sont mises en vente, leur prix dépasse largement les capacités d'acquisition du musée», a-t-elle déclaré à propos des œuvres de Smith. Cette annonce la surprit d'autant plus que les collectionneurs venaient d'acheter la sculpture aux enchères le printemps dernier.
«Ils ne l'avaient même pas possédé depuis peut-être six mois», a déclaré Mecklenburg.
La première sculpture majeure du musée du musée figure dans la dernière galerie de «Crosscurrents», une exposition de 88 œuvres de 33 artistes présentée jusqu'au 10 avril 2016. Cette exposition, qui se concentre sur les peintures et les sculptures du XXe siècle, retrace sa création et son développement. du modernisme dans le cadre d’un échange d’idées entre artistes européens et américains.
Le musée a acquis plusieurs autres œuvres de Smith au fil des ans, notamment le petit bronze 1956-1957, Europa and Calf, l’étude 1938-1939, Private Law and Order League, et la 1935, Reclining Figure, une sculpture qui figure également dans le spectacle.
Ce dernier, dit Mecklenburg, acquis en 2013, est l'une des premières œuvres de Smith, «quand il commençait tout juste à souder des objets».
Smith est né en 1906 à Decatur, dans l'Indiana, et il a travaillé comme soudeur et soudeur dans le secteur automobile avant de s'installer à New York, où il a étudié à la Art Students League. En 1957, le Museum of Modern Art fait une rétrospective de son travail. Sa vie a été écourtée quand il est décédé des suites de blessures subies dans un accident de voiture en 1965; La notice nécrologique du lendemain du New York Times qualifiait cet homme de 59 ans de «grand innovateur de la sculpture américaine contemporaine et pionnier des constructions soudées en fer et en acier».
Crosscurrents: l'art moderne de la collection Sam Rose et Julie Walters
Dans son essai "Breaking the Rules", Virginia M. Mecklenburg, conservatrice en chef du Smithsonian American Art Museum, documente la montée du modernisme en Amérique, alors que les frontières entre l'art et la culture européens et américains continuaient de s'effondrer et de se confondre siècle.
AcheterUne de ces constructions, la série de 17 œuvres d’ Agricola - d'où provient le nouveau cadeau promis - s'intitule en latin «fermier». Le projet était la première grande série de Smith, dans laquelle il soudait des pièces de machine abandonnées d'une ferme située à proximité. son atelier à Bolton Landing, à New York.
Les contours fluides d’ Agricola IV sont tellement calligraphiques qu’ils évoquent les lignes picturales graphiques du Monkeys Grasp for the Moon de 2001 de Xu Bing, exposées à la galerie d’art Sackler du Smithsonian. «Sous tous les angles, cela devient quelque chose de légèrement différent et très spécial», dit Mecklenburg à propos de la sculpture de Smith. Le musée l'appelle «un totem du passé agraire», qui sert «d’emblème à un mode de vie largement abandonné à l’ère industrielle».
Une autre pièce du spectacle qui sert en partie de capsule témoin est une aquarelle du début 1925 d’Edward Hopper, House in Italian Quarter, qui rend visite au musée. (Auparavant, il était apparu dans l'exposition «Edward Hopper: The Watercolors» (1999-2000) avant son achat par Rose et Walters.)
«J'étais ravi de savoir qu'ils l'avaient acheté, car je saurais alors où il se trouvait dans le futur», déclare Mecklenburg.
La peinture - pour laquelle l’artiste a utilisé diverses techniques, allant de l’application pinceau humide sur humide à sec (toutes avec des traits tracés au crayon) pour représenter une maison à la fois souple et naturelle, a été considérée - est considérée comme la «première véritable incursion» de Hopper. aquarelles.
«Il se débattait», dit Mecklenburg. «Ses gravures ont eu un certain succès, mais au fond, il n'avait jamais vendu qu'un seul tableau, ce n'était pas dans le salon d'Armory», faisant référence à l'Exposition internationale d'art moderne de 1913, organisée au Manège militaire du 69e Régiment à New York. C'était la première grande exposition américaine d'art moderne d'Europe.
En peignant à Gloucester, dans le Massachusetts, cet été-là, Hopper passa beaucoup de temps avec son collègue, Jo Nivison, qu'il épousera l'année suivante. Les vieilles maisons avec une longue histoire fascinaient particulièrement Hopper. Dans House in Italian Quarter, Hopper, à certains égards, «célébrait l'exubérance des couleurs méditerranéennes», explique Mecklenburg.
«C'est l'été qui a lancé la carrière de Hopper en tant que réaliste majeur du siècle», dit-elle. "Il y a un sentiment de liberté et de prendre son pied en ce moment."
Les descriptions des maisons de Gloucester par Hopper sont si spécifiques que Mecklenburg a pu localiser une visite dans le Massachusetts exactement où il se trouvait quand il les a peintes. «Les lampadaires sont là. Les bornes d'incendie sont toujours au même endroit », dit-elle. "Si vous vous rapprochez, ou plus loin, ou d'un côté, la vue était différente."
Outre les œuvres de Smith et Hopper, l'exposition comprend d'autres cadeaux promis de Rose et Walters au musée: Levee Farms de 1998 de Wayne Thiebaud et son cuvette de San Francisco West Side Ridge de 2001, Black Scarf de 1995 d'Alex Katz. et l' hibiscus de 1939 de Georgia O'Keeffe avec Plumeria.
«C'est merveilleux d'avoir cette plage chronologique et cette profondeur», déclare Mecklenburg. «Nous voyons O'Keeffe pendant plus de 30 ans de sa carrière. Il y a des liens de parenté entre eux en ce qui a trait à son identité de peintre, mais chaque pièce a un type de personnalité très différent. "
L'exposition raconte également l'histoire d'autres artistes que le duo a rassemblés en profondeur, notamment Pablo Picasso, Alice Neel, Romare Bearden, Joseph Stella, Richard Diebenkorn, Wayne Thiebaud et Roy Lichtenstein.
«Ce n'est pas quelque chose que nous avons l'occasion de faire dans un musée aussi souvent que ce serait bien», admet Mecklenburg.
Ce type d’exposition offre également l’occasion de comprendre les grands mouvements et la signification de ce type d’œuvre. Mecklenburg a conçu cette exposition il y a près de deux ans en examinant les sept œuvres que Rose et Walters avaient données au musée au fil des ans, ainsi que leur collection plus étendue. Elle a remarqué une "sorte de thème et de thèse" sur ce que signifiait être moderne au 20ème siècle.
«L'une des principales décisions que nous avons prises dès le début était de montrer non seulement des peintures, des sculptures, des œuvres sur papier et des aquarelles américaines, mais aussi de parler un peu des intersections», dit-elle. «Ce qui ne veut pas dire que vous voyez quelque chose à Marsden Hartley résonner à Picasso. C'est qu'il y a cet état d'esprit qui existe depuis le début du XXe siècle pour les personnes qui étaient disposées à enfreindre les règles. Ils ne se sont pas sentis obligés de faire ce que tout le monde avait fait auparavant.
Ce sentiment de prise de risque, d’aventure et de regard au-delà était un «substrat commun» - philosophique et esthétique à la fois - qui reliait une grande partie de ce que les artistes faisaient à l’époque, selon Mecklenburg.
Les œuvres qui reflètent ce que les artistes pensaient à l'époque abondent dans le spectacle, de 1993, Idée de Roy Lichtenstein, qui contient en fait un travail encadré portant le mot "idée", aux travaux de céramique de Picasso, dont l'un: " ressemble à un ancien mur de fresques qui porte des traces de couches accumulées au fil du temps », selon le catalogue du spectacle.
La représentation de ce que Mecklembourg décrit comme une scène de «quasi-combats de taureaux» est restituée d’une manière qui rappelle les peintures rupestres d’Altamira en Espagne ou de Lascaux en France. "Picasso a beaucoup réfléchi à propos de l'Espagne et de ce que cela signifiait à différents moments de sa vie", dit-elle. «Il y a un réel sens de l'archaïque ici. C'est une façon pour Picasso de se souvenir et de revendiquer l'Espagne comme son héritage. "
Les œuvres de Lichtenstein, y compris le Paysage de 1977, qui évoque le vase de Rubin - le dessin qui ressemble à deux visages et un vase - apparaissent dans la section "double prise". Le titre Paysage, note Mecklenburg, "vous fait arrêter il. Ce n'est pas un paysage. C'est un paysage marin », dit-elle. La figure dans le travail qui regarde par la fenêtre d'un navire, note-t-elle, a les sourcils faits de mouettes.
«Il avait un sens de l'humour fabuleux», dit Mecklenburg à propos de Lichtenstein.
Le foulard noir de Katz, qui est la première œuvre à confronter les téléspectateurs lorsqu’ils entrent dans la série, présente également un certain degré d’amour. La peinture représente la femme de Katz, Ada, qui est «minuscule», selon Mecklenburg. "La peinture est probablement aussi grande qu'elle est en termes de hauteur."
«Elle est une présence si imposante», note-t-elle à propos de Ada Katz. La palette limitée de l'image et sa peinture légèrement fine ajoutent encore à ce drame. "Ce magnifique balayage de la brosse définit le tout."
Limiter ses outils esthétiques pour atteindre une présence maximale et représenter un bon microcosme métaphorique de l'art à suivre dans le spectacle, mais le travail présente l'avantage d'attirer les visiteurs à leur sortie de l'ascenseur. C'est pourquoi Mecklenburg a choisi c'est pour le mur avant. "Elle était la gagnante haut la main."
"Crosscurrents: Art moderne de la collection Sam Rose et Julie Walters" est présenté au Smithsonian American Art Museum de Washington, DC, jusqu'au 10 avril 2016.
